La calle de atrás es uno de esos melodramas hollywoodienses que hacía llegar a sus espectadores a altos niveles de paroxismo. Durante los cincuenta y los sesenta uno de los productores con más olfato para el éxito fue Ross Hunter. Estas décadas tienen vida propia en esas películas de Hunter que han sabido crear una cierta mitología de esos años. Uno de sus protegidos fue Douglas Sirk. Pero fue artífice de otros melodramas y llevó al estrellato a varias damas. Hunter buceaba en películas del pasado que ya habían funcionado, buscaba una estrella femenina potente y creaba una historia truculenta a todo color. La película que hoy nos ocupa cuenta con un montón de posibilidades para analizar.

La premisa de Back Street es mostrar que ‘la otra’ es el personaje positivo, mientras que la esposa es el problema, el obstáculo, el conflicto… la arpía. Un argumento así ya ganaba muchos puntos en una sociedad puritana con ganas de escándalo. Escándalo en la pantalla blanca. Así ‘la otra’ era una de las trágicas más amadas: la pelirroja Susan Hayward. El galán era el guaperas oficial de los melodramas: John Gavin. Y la esposa arpía, una rubia hitchcockniana (y también una musa de John Ford), Vera Miles. Ross Hunter se busca un director-artesano, David Miller (que arrastra algún éxito a sus espaldas como Un grito en la niebla). Unos buenos vestuarios (las damas siempre perfectamente vestidas y peinadas… ‘la otra’ además es diseñadora de moda). Una banda sonora adecuada de Frank Skinner que acompañe los sentimientos acelerados de los protagonistas. Un director de fotografía con estilo, Stanley Cortez… y los pone en una buena historia que ya había funcionado en el pasado.

En realidad Back Street es la adaptación cinematográfica de una novela de Fannie Hurst, dama americana que escribió otras historias melodramáticas que se vieron en pantalla como Imitación a la vida o Humoresque. Pues bien Back Street ya había sido llevada otras dos veces al cine. Una en la etapa pre code, en las manos del rey de los melodramas primigenios, John M. Stahl. Supuso un éxito más de Irene Dunne y se llamó La usurpadora (1932). Pero en los cuarenta también tuvo su remake (más desconocido) con una pareja de lujo: Margaret Sullavan y Charles Boyer que actuaron juntos en Su vida íntima de Robert Stevenson.

Pues bien en los años sesenta sigue funcionando la fórmula porque existe ya una muy buena tradición del género y cuenta además esta versión con un final apoteósico con tres momentos clímax que no dejan respiro al espectador que termina llegando a la catarsis que siempre genera un buen melodrama. Primero un aparatoso accidente de coche en plena discusión matrimonial entre Vera Miles  y John Gavin que tiene ecos de Cara de ángel pero que será precursor de la famosa escena en el coche entre Kirk Douglas y Chyd Charise un año después en Dos semanas en otra ciudad. Segundo una escena en el hospital con persona gravemente enferma, un teléfono y un niño… No digo más. Y tercero una escena final de aceptación de ‘la otra’ y su absoluta redención. Toda la película te prepara para este tremendo final. Y para ello era necesario una gran trágica que contaba en esos momentos cuarenta y cuatro primaveras pero seguía haciendo como nadie de mujer sufridora y enamorada. Además estaba necesitada de un éxito, y Hunter era especialista en dar buenos papeles a grandes divas de la pantalla que sobrepasaban los cuarenta y hacer que jóvenes galanes del momento se enamoraran de ellas profundamente. Así su máxima estrella fue una madura Lana Turner. Sin olvidarnos de Jane Wymann o June Allyson.

Sin embargo, la gran sorpresa y revelación del film es la malvada esposa. Mala madre, peor esposa, hipócrita, infiel y alcohólica… una buenísima recreación de Vera Miles que no sólo está bella, elegante y sofisticada sino genial como mala de la función. Ella es la que no deja que los dos amantes alcancen la felicidad porque no otorga el divorcio al desgraciado de John Gavin. Él como siempre, galán hermoso y correcto.

La calle de atrás forma parte del canto de cisne del género porque ya se acercaban los años 60 y una nueva forma de hacer cine. No sólo nacerá a finales de la década el Nuevo Cine Americano sino que al llegar el final de la censura ya muchos temas no estarían prohibidos ni parecerían escandalosos. El público estaba cambiando (era más desencantado menos inocente) y quiere ver otras realidades reflejadas en pantalla además de ver las nuevas formas de concebir las relaciones personales. Las trágicas del melodrama estaban terminando su reinado…

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¿Qué convierte El tercer hombre en una película inolvidable?¿Qué es lo que hace que siga hipnotizando a nuevos espectadores? ¿Es posible escribir algo original sobre ella? A todas estas preguntas trataré de darles unas respuestas a lo largo de este post. De lo que no hay duda es que es un gozo volver a ponerse frente a la pantalla y dejarse llevar por la cítara de Anton Karas (sin miedo a que esto se convierta en un tópico) y ‘mirar’ El tercer hombre.

Así Graham Greene (convertido en guionista) nos seduce con un atractivo triángulo formado por un escritor norteamericano de novelas del Oeste, Holly Martins; por su mejor amigo, Harry Lime, que ‘prospera’ en la Viena de la posguerra y por Anna, una actriz checoslovaca que trata de sobrevivir y que vivió un intenso romance con Harry.

Los tres pululan en un universo especial, en una Viena destruida por la guerra donde los ciudadanos tratan de recuperar su cotidianeidad a pesar de estar dividida en zonas ocupadas por los aliados (franceses, británicos, rusos y norteamericanos). Una Viena que tiene una vida propia que intenta resurgir de las cenizas y donde la ambigüedad moral impera por sus callejuelas, locales, casas y alcantarillas… O en los rostros de sus habitantes.

Carol Reed se deja seducir por el expresionismo alemán y emplea las sombras, los planos y contraplanos, los rostros de sus secundarios, las localizaciones (como las callejuelas vienesas, los locales nocturnos, los apartamentos y las alcantarillas) para distorsionarlos y crear una realidad deformada que representa a la perfección cómo se encontraban los ánimos después del final de una guerra horrible. Pero también toma elementos del mejor cine negro tanto en la psicología de los personajes principales (el perdedor desde el primer fotograma, ese inolvidable Holly Martins) como en la importancia de una atmósfera de ambigüedad moral y desencanto así como en el reflejo de un romanticismo trágico.

Por otra parte Graham Greene empapa toda esta historia oscura con unos evidentes ramalazos de comedia negra que se dejan caer a lo largo del metraje dando un toque especial. El vendedor de globos intentando vender su mercancía a unos policías ocultos en las sombras, la fallida conferencia de Holly Martins sobre ‘alta’ literatura, algunos personajes secundarios que rozan el esperpento, el ‘dulce’ niño que denuncia a un inocente como presunto asesino…

La trama comienza de manera fuerte: Holly Martins (inolvidable Joseph Cotten) acude a Viena tras una llamada de su amigo Harry Lime (enigmático Orson Welles) que le ofrece un trabajo. Cuando llega se entera de que su mejor amigo acaba de ser atropellado accidentalmente y ha muerto. Acude al cementerio para despedirse del amigo y ahí ve por primera vez a Anna (ambigua Alida Valli) pero también a un policía británico, Calloway (eficaz Trevor Howard), que investiga a Lime al que acusa de estar inmiscuido en asuntos turbios y por otra parte el único que echará una mano a un solitario Holly. El escritor en un primer momento no cree las acusaciones de Calloway y  decide por ello investigar la muerte del amigo y limpiar su nombre… Y empieza un thriller enigmático que lo que nos cuenta finalmente es una triste historia de amistad condenada y un  amor imposible.

Uno de los sambenitos (pero que también la han hecho popular) que ha arrastrado El tercer hombre es que Carol Reed no fue el director total de esta obra sino que ahí estaba la mano larga de Orson Welles y que toda la escena de la persecución en el alcantarillado vienés se debía a su dirección y saber hacer. Sin embargo, a parte de los testimonios que ofrece el propio Welles en los que dice que él no ejerció de director, sí podemos ver en una obra anterior del realizador británico, la estupenda Larga es la noche, que Reed pudo ser perfectamente el único director de El tercer hombre. En Larga es la noche cuenta la persecución nocturna de un terrorista del IRA y nos encontramos en esas persecuciones a través de callejones ‘aires’ que nos recuerdan a escenas que veremos después en El tercer hombre.

Lo que sí hizo suyo Orson Welles fue al personaje de Harry Lime que incluso antes de aparecer ‘se come’ la historia a dentelladas (su presencia es siempre evidente) y cuenta con una de las apariciones más increíbles de un personaje (ese gato que le sigue y se restriega en sus pies, ese callejón oscuro y un portal sin luz, esa luz que se enciende de pronto en medio de la noche, y el rostro iluminado de Harry Lime). Cuando ves la película por primera vez el impacto es igual al que sufrimos con la aparición de Gene Tierney en Laura (puro cine negro), otro personaje siempre presente incluso en su ausencia. Así no le dotó solamente de una presencia hipnotizadora sino que le regaló un gran monólogo mil veces repetido (“en Italia, en treinta años de dominación de los Borgia hubo guerras, terror, sangre y muerte, pero surgieron Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y el Renacimiento. En Suiza hubo amor y fraternidad, quinientos años de democracia y paz y… ¿qué tenemos? El reloj de cuco”), se dejó perseguir por las alcantarillas, dejó ver unas manos desesperadas que quieren salir al asfalto a través de una rejilla y protagonizó una muerte que suplica con los ojos.

Otro de sus puntos fuertes es la historia de amor imposible entre Anna y Holly Martins. Éste último sabe que nada puede hacer pero siempre lo intenta, protagoniza una triste declaración de amor sumido en el alcohol donde le confiesa a Anna que la ama. Los dos saben que nunca estarán juntos. Desde el principio no dan ninguna oportunidad a su historia, la sombra de Harry es alargada. Uno de los motivos por los que Holly se plantea traicionar al amigo, no es sólo lo que descubre de él, sino el poder salvar a Anna de su compleja situación. Pero ella se deja llevar por una fidelidad absoluta hacia Harry, le comprende ciegamente y está eternamente agradecida porque iluminó sus momentos oscuros y le arregló los papeles… Le quiere con su ambigüedad moral y su complejidad y por eso sólo vive la ‘actitud’ de Holly como una sucia traición.

Él la ve por primera vez en el cementerio. Y ella no repara en el rostro del fracasado escritor de novelas del Oeste. Y su historia termina en ese mismo cementerio cuando ella le ignora en ese plano fijo maravilloso donde pasa de largo con la cítara de fondo… Y Holly no hace nada más que tirar su cigarrillo. Su amor estaba ya muerto desde el principio… Y esta escena se queda para siempre en la retina de cualquier espectador que la vea por primera vez.

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Alan J. Pakula no sabía que La sombra del diablo iba a ser su última película. Tenía 70 años y seguía activo en el mundo del cine pero un fatal accidente de tráfico convirtió  esta obra en su testamento cinematográfico. Recuerdo que en el momento de su estreno fue un fracaso de público y crítica y, por otra parte, se valoró u ocupó más páginas el ‘enfrentamiento creativo y de egos’ entre sus dos protagonistas que parece ser no se llevaron nada bien durante el rodaje: Harrison Ford y Brad Pitt. Sin embargo yo fui a verla a la sala de cine en el momento de su estreno y no sólo me gustó mucho sino que me pareció muy acorde con la trayectoria de Pakula como director. De hecho las veces que la he pillado por la televisión la he visto, cuando salió en vhs la coloqué en mi colección de películas y en estos momentos también tengo mi correspondiente dvd. Así que ahora que la acabo de ver de nuevo recientemente voy a tratar de explicarme y sugerir aquellos puntos clave por los que me parece una buena película que permite un interesante análisis.

La sombra del diablo me parece un buen thriller con un sentido del ritmo que dosifica la tensión, la intensidad y el suspense. Además es un thriller con momentos intimistas que van enriqueciendo tanto la trama como las decisiones y acciones que tienen que ir tomando sus protagonistas. Como era habitual en Pakula toma un tema complejo y conflictivo para desarrollar el argumento. Esta vez indaga en el conflicto irlandés y el terrorismo. Su protagonista es Francis Austin McGuire (Brad Pitt), miembro del IRA, que después de salir indemne de un operativo montado para eliminarle, el jefe de su comando decide enviarlo a Nueva York para que adquiera más armamento. Allí sus contactos irlandeses (un respetado miembro de la Justicia) le proporcionan un hogar: el sótano en casa de una familia de origen irlandés cuyo padre de familia, Tom O’Meara (Harrison Ford), es un policía veterano en Nueva York. Entre ambos surgirá una intensa relación y dos formas de entender la vida y la violencia (dos maneras de entender el conflicto). Frankie (que se hace llamar Rory) lo mira desde la perspectiva de un irlandés que está conviviendo continuamente con la violencia en su piel, desde que era un niño. Tom O’Meara tiene la visión de un hombre que ha vivido durante años fuera del corazón del conflicto (y sin embargo cada día se enfrenta también a todo tipo de violencia debido a su profesión) y que cree que la violencia no es el camino para la resolución del conflicto. Sus miradas diferentes las resume a la perfección el joven Rory cuando en dos momentos clave de la película le recuerda al veterano policía que lo que esta ocurriendo no es una historia americana, sino una historia irlandesa…

Los ojos de Pakula creo que son los de Tom O’Meara… aquel que se acerca con respeto a un conflicto que no llega a entender del todo (o que lo ‘observa’ como testigo) pero que cree firmemente que hay otro camino distinto para conseguir la resolución del problema, y que ese camino no es la violencia aunque ésta diariamente se empeñe en resurgir una y otra vez de mil maneras diferentes… Al final La sombra del diablo es un estudio sobre la violencia instalada en el seno de las sociedades y la mella que hace en los ciudadanos (la violencia sólo genera más violencia). Por eso la película crea situaciones que hacen reflexionar al personaje encarnado por Harrison Ford cuando dos de las personas que más le importan en el momento que transcurre la película (su compañero de fatigas —Ruben Blades— y el nuevo inquilino con el que establece pronto fuertes lazos como los de un padre y un hijo) le ponen en una encrucijada moral precisamente por temas relativos a la violencia. Por eso es importante ese momento festivo en el que Tom se quiere fotografiar con los dos amigos donde se muestra su cariño y lealtad hacia ambos personajes antes de que surjan los conflictos… y cómo intenta seguir siendo un hombre bueno, coherente y justo. Y cómo porque quiere a ambos le resulta difícil encontrar la decisión o forma de actuar adecuada.

La dificultad de encontrar una solución y un acercamiento entre las partes en el largo conflicto irlandés queda totalmente reflejada en la conversación que mantiene el joven terrorista con uno de sus contactos irlandeses en Nueva York, una joven, hermana de otro miembro del IRA ya fallecido. Él habla de que  “claro que hay culpabilidad” y añade que “todo el mundo tiene sus fantasmas” para terminar diciendo que en ese conflicto y con el paso de los años “nadie es inocente”. La película refleja cómo pasan los años y como la virulencia y la incapacidad de diálogo (sólo la violencia como salida por ambas partes del conflicto) merman la capacidad de una posible tregua de paz. De hecho la película empieza en 1972 en una ruptura de paz (donde vemos como Frankie convive desde niño, con la brutal muerte de su padre, con una violencia endémica), de tregua, y continúa en 1992 cuando la imposibilidad de unas bases sólidas para trabajar hacia la paz continua con la ola de violencia… Tom O’Meara no está de acuerdo con que Rory esté comprando armamento para llevarlo de vuelta a Irlanda (ni con su historial terrorista) pero también se posiciona respecto a la forma de actuar del Gobierno británico (sus agentes encuentran colaboración en el FBI). Tom no aprueba que directamente ‘eliminen’ a Frankie/Rory, sin ni siquiera detenerle y juzgarle por los cauces democráticos y judiciales.

Pero la visión de La sombra del diablo sigue siendo interesante cuando nos centramos también en el personaje encarnado por Brad Pitt (Frankie/Rory), un chico duro a base de vivir desde siempre con la violencia en sus carnes cuando también es consciente de que en su vida no hay paréntesis posible. Cuando descubre que siempre vive en una espiral de violencia. Cuando descubre que aunque se aleje de su Irlanda natal, la violencia sigue incrustada en todas las partes del mundo y en Nueva York se cruza con una violencia salvaje que rodea también la ciudad. Allí se la encuentra con un hombre de negocios (Treat Williams) que se maneja en el mercado negro y que no tiene ningún miramiento para ser absolutamente exacerbado y violento en sus métodos para conseguir sus fines (el dinero de su negocio). Ahí Rory es consciente de que le es imposible huir de la violencia y fracasa en proteger a esa familia que le ha hecho sentir nostalgia sobre lo que es pertenecer a un núcleo familiar…, fracasa en sentir que es posible ‘sentir normalidad’, querer a las personas cercanas, tener la oportunidad de establecer una relación con una joven o poder disfrutar de veladas tranquilas y sin sobresaltos con sus amigos… Así que determina (después de una cadena de actos violentos en los que trata de deshacer los nudos imposibles de una madeja) regresar a la violencia que conoce pero que sabe que es también un callejón sin salida posible, sin esperanza alguna…

Así que La sombra del diablo teje una interesante trama que permite recovecos y reflexiones. La película me emociona sorprendentemente en los lazos que se establecen entre el policía y el joven terrorista donde ambos protagonizan varios diálogos que denotan la dificultad del conflicto y de su relación y sin embargo reflejan que el acercamiento es posible y que ambos terminan entendiéndose (respetándose y queriéndose) aunque no tienen oportunidad alguna de desarrollar esa relación que podría quizá haber abierto una puerta o haber permitido un mínimo rayo de luz.

Para terminar La sombra del diablo deja dos apuntes interesantes para su desarrollo: la relación e influencia irlandesa en el cine americano y las distintas maneras de reflejar al terrorista y el terrorismo en una pantalla de cine (éste es un estudio complejo y profundamente interesante…). Por ejemplo, el conflicto irlandés puede ‘contarse’ a través de la sala de cine desde distintas miradas y puntos de vista: desde los tiempos de El delator, El hombre tranquilo pasando por Carol Reed y la maravillosa Larga es la noche, aterrizando en En el nombre del padre, En el nombre del hijo, The boxer o El viento que agita la cebada.

Por todos estos aspectos creo que la última película de Pakula (perfectamente articulada y construida), La sombra del diablo, merece la pena ser vista y analizada de nuevo…

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He aquí una película interesante como documento cinematográfico en sí que además desarrolla una buena historia para generar debate y que adquiere hoy primordial importancia. En el ojo del huracán contiene además muchos elementos de análisis que hacen que su visionado proporcione muchos frentes. Una película sobre cómo es más fácil manipular a una sociedad con miedo, sin capacidad de elección, sin apenas cultura y secuestrando la libertad. Una película que habla de los ‘peligros’ de tener conocimientos, información y ser cultos para la clase dominante y más en situaciones de crisis económica y social…

Bette Davis… buscando su lugar

Bette Davis la reina de las pantallas durante los años 30 y 40…, podía ser la más mala entre las malas o una mujer fuerte todo carácter, siempre protagonista de los más apasionados dramas y melodramas. Sin embargo en 1956 era una actriz madura que no encontraba su sitio en Hollywood y que su último gran éxito había sido Eva al desnudo en 1950.  Tenía 48 años y seguía siendo grande pero relegada al olvido. Este año, no obstante, pudo dar un giro a su carrera hacia una senda interesante de papeles cotidianos y realistas sobre temas sociales en las manos de una generación de directores y guionistas progresistas que iban dejando atrás la sombra de una Caza de Brujas que llegaba a su fin. Durante este año protagonizó no sólo la película que nos ocupa donde se convertía en Alicia Hull, una bibliotecaria de una idílica localidad norteamericana, que vive la peor de sus pesadillas al negarse retirar de sus estanterías una libro de la sección de Teoría política: El sueño comunista, sino también una pequeña obra de ‘neorrealismo americano’, Banquete de bodas de Richard Brooks (que estoy a punto de disfrutarla) donde Bette Davis es una madre humilde, casada con un hombre con rostro de Ernest Borgnine, que quiere ofrecer la mejor de las celebraciones a su hija (sin que ella se lo pida porque prefiere una ceremonia discreta y sencilla).

Esta que podría haber sido una senda rica en papeles para la actriz no tuvo sin embargo continuidad en años posteriores donde no volvió a brillar hasta que se convirtió (con permiso de Annie Manzanas) en el máximo exponente del grand guignol con su aparición en ¿Qué fue de Baby Jane? (1962). En parte también se debió a que el propio Hollywood y sus sistema de estudios estaba sufriendo su propia transformación…

Así, no obstante, 1956 pone en evidencia que Bette Davis podría todavía haber ofrecido muchos registros e interpretaciones interesantes y que no tenía por qué retirarse al ostracismo… Bette Davis no ponía peros a la hora de demostrar su valía aunque el papel de la bibliotecaria Alicia Hull no fuera pensado para ella en un principio. Este proyecto fue rechazado por varias actrices antes de que ella lo interpretara. Cuando se esbozó esta historia el personaje estaba pensado para que supusiera la vuelta de Mary Pickford a las pantallas cinematográficas… pero no fue así.

Daniel Taradash un guionista detrás de las cámaras. La Caza de Brujas

En el ojo del huracán es de esas pequeñas películas que son una singularidad por varios motivos, entre otros, porque fue el único trabajo como director cinematográfico de Daniel Taradash, un buen guionista y un discreto (no arriesgó nada a la hora de cómo contar su historia a través de la cámara) pero eficaz y correcto director en su único trabajo cinematográfico como tal. La fuerza de Taradash tras la cámara es contar con una historia potente (que hoy no ha perdido vigencia) a través de su propio guion en colaboración con Elick Moll y conseguir un buen reparto para llevarla a buen puerto. Y también en su empeño en llevar este proyecto a cabo costase lo que costase. Finalmente lo consiguió.

La intensidad de la Caza de Brujas iba cambiando cuando su máximo instigador, el senador Joseph Mcarthy y sus métodos eran puestos en duda por el propio Senado (la caída de su ‘reinado’ fue a partir más o menos de 1954). No obstante el daño ya estaba hecho: la Caza de Brujas que azotó varios estamentos de la sociedad en Estados Unidos reflejaba los primeros tiempos de la Guerra Fría donde todo lo que oliera a comunismo (o progreso) era antiamericano… De esta manera se forjó un espíritu paranoico donde funcionaba el chisme, la sospecha y el miedo y donde profesionales de distintas áreas sufrieron el acoso y la inclusión en listas negras (y algunos casos dramáticos llegaron a la pérdida de libertad en prisión o al suicidio) por sus ideas políticas. Cuanto más uniformes y temerosos eran los ciudadanos más fácil era la manipulación y la inclusión del miedo en las vidas cotidianas… y cuanto más camparan en la ignorancia más fácil era retener las libertades individuales.

Así En el ojo del huracán se convierte en un testimonio de esos tiempos, un testimonio de denuncia y ahí reside uno de sus importantes elementos de análisis. Porque dudo que 1956 (a pesar de que ya se iban desnudando las artimañas políticas de uno de los artífices de la Caza de Brujas) fuera el momento más fácil para sacar adelante un proyecto de este tipo.

Otro de los ingredientes de análisis de esta película es cómo el guionista refleja perfectamente un lugar idílico (donde los ciudadanos forman parte de ese sueño americano con doble filo) en el cual se esconden también sus partes más oscuras y destructivas. Como las gentes sencillas, los ciudadanos, pueden convertirse en la masa más injusta y acusadora. Y cómo los poderes políticos y fácticos pueden inclinar la balanza hacia el miedo (y ser ellos mismos los inspiradores e instigadores) o restablecer el orden sirviéndose de distintas herramientas para crear una sociedad más justa y equilibrada. Esta manera de contar historias siempre ha tenido un resultado efectivo a la hora de plantear distintas cuestiones. Y es una forma que se relaciona directamente con el melodrama pero también podemos encontrar sus huellas en directores cinematográficos más contemporáneos: David Lynch en Terciopelo azul o Twin Peaks, Sam Mendes en American Beauty o la maravillosa Revolutionary Road o Todd Haynes con Lejos del cielo y Mildred Pierce.

El propio guionista Taradash había obtenido el éxito con guiones que trataban estos temas: gente sencilla que oculta su parte más oscura (Picnic) o el acoso a las libertades y el empleo del miedo (De aquí a la eternidad). También le atraían aquellos argumentos que denunciaban fallas en una sociedad democrática (Llamad a cualquier puerta) y tenía un dominio de los distintos ingredientes del melodrama (Sueño dorado).

Las tramas

La película plantea una trama principal y dos subtramas que la complementan. Y en las tres el máximo protagonista es el miedo como herramienta de manipulación y poder. Así como una defensa magistral (y todavía necesaria) sobre las bibliotecas como centros de conocimientos y templos de la cultura, un respeto reverencial y sagrado por los libros y un llamamiento a lo necesario de fomentar la lectura desde edades tempranas. Por una parte nos encontramos con la trama principal: la bibliotecaria Alicia Hull que lleva más de veinticinco años dirigiendo con eficacia y dedicación la biblioteca de una localidad norteamericana tiene no sólo que abandonar su puesto sino que además es ‘condenada’ por la mayoría de los vecinos por un pasado de afiliación a organizaciones progresistas cercanas ideológicamente al comunismo. Y todo por negarse a retirar (por petición de los políticos que gobiernan el ayuntamiento) de las estanterías un libro titulado El sueño comunista. Los políticos de la localidad no dudan en votar unánimemente su expulsión del cargo. La posición de Alicia Hull además de no dar su brazo a torcer es evitar la lucha y el conflicto con los habitantes del pueblo y dejar que poco a poco minen su personalidad.

Las otras subtramas que fomentan el conflicto son: una familia ‘ideal’ de clase media cuyos integrantes son un niño que siente fascinación por la lectura y los libros (y de paso por la bibliotecaria, Alicia Hull), una madre sensible que trata de entender a su hijo y encauzar esa sensibilidad y un padre que hace gala de su incultura e ignorancia (y que se siente incómodo e inculto ante la sensibilidad cultural de su esposa y su hijo). Esta subtrama es muy interesante sobre todo en la transformación que va sufriendo el niño de un amor entregado a los libros y a Alicia a un odio irracional (influenciado además por un padre inseguro que ve ahí una oportunidad de conexión con su hijo) hacia esos mismo libros y Alicia (le confunde la actitud pasiva de la bibliotecaria y que no haga nada para regresar de nuevo). Y esta transformación genera el clímax dramático, lo que provoca el despertar de una sociedad adormecida. El miedo hace mella en el niño… y se convierte en un monstruo involuntario (recordemos esas tremendas transformaciones de niños ante las actitudes de sus mayores en La lengua de las mariposas o en Pa negre). Y la otra subtrama es la protagonizada por uno de los políticos que fomenta esa situación de censura y miedo que trata de establecer una relación sentimental con la en un principio ayudante de dirección de Alicia Hull, Marta (que cuenta con el rostro de una siempre estupenda Kim Hunter). Y como estos hechos hacen imposible su relación pues cada uno los vive desde una perspectiva muy diferente.

El dilema

El origen del conflicto, la conversación que se establece entre Alicia Hull y los políticos en los que ésta expone por qué no retira el libro es la escena clave de la película y está perfectamente dialogada y argumentada. Ahí expone que los libros de teoría política (porque es la sección a la que pertenece el libro de la disputa) deben estar al alcance de los ciudadanos para que ellos, libremente, a partir del conocimiento razonen  y lleguen a sus propias conclusiones y para que sepan en qué se sustentaban aquellos regímenes políticos que sustentaron y sustentan la historia  de la humanidad. Si desconocen sus bases y planteamientos de manera racional difícilmente podrán no repetirse los errores de la humanidad. Enfrentarse y entender los miedos también genera libertad. Entender los motores que van moviendo la historia nos hace ciudadanos más inteligentes y capaces, menos manipulables y con menos miedo… y por lo tanto con más capacidad de acción y de lucha. Así Alicia Hull dice que en las estanterías de teoría política tiene que estar tanto El sueño comunista como otro libro que le da repelús cada vez que mira sus amadas estanterías, Mi lucha de Adolf Hitler. Además expone otro punto importante: si cede a la retirada de este libro ¿cuál será el siguiente?…

La huella de Saul Bass

Por último comentar que ésta es una de las películas que cuenta con el trabajo tanto en los carteles como en los títulos de crédito de Saul Bass. Desde que empieza la película Bass muestra muy bien al espectador con qué se va a enfrentar y lo sumerge desde el principio en la inquietud. Unos ojos de un niño que mira de un lado a otro superpuestos a las páginas de un libro… de pronto ese libro empieza a arder…

En el ojo del huracán plantea un montón de temas que hoy están más vigentes que nunca. En tiempos de un miedo que paraliza… Entre las páginas de un libro o los fotogramas de una película se encuentran un montón de conocimientos que pueden hacernos más libres, menos temerosos…

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