Sigo alimentando y mimando la nueva sección de Dúos de cine. El mundo del cine también acoge grandes amistades y eso fue lo que se dio entre Wyler y Hellman a lo largo de los años. En los buenos y malos momentos. Y además también llevaron a cabo una colaboración profesional que dio obras cinematográficas que ahora recordamos. A Wyler le adoro como director y contador de historias. De Hellman desconozco su labor de dramaturga y conozco más su papel como guionista cinematográfica y su propia historia junto al escritor de novela negra Dashiel Hammett o sus dificultades en la época de la Caza de Brujas. La Hellman escribió obras muy autobiográficas entre las que se encuentra Pentimento, una de sus partes fue adaptada al cine por Zinnemann en Julia, una película que me encanta.

Las películas firmadas por ambos son: Esos tres de 1936 donde la Hellman adapta uno de sus éxitos teatrales pero pasándolo por el código Hays mucho más cerrado para ciertos temas que los escenarios teatrales. Wyler se está convirtiendo en un director a tener en cuenta. Después la maravillosa fábula social Dead end en 1937 donde ambos demuestran que en Hollywood no sólo se realizaba un cine de evasión sino otro cine con otras miradas diferentes y compromisos distintos. Para aterrizar en una creación genial de Wyler y Hellman, La loba, donde nos encontramos en el seno de una familia con la corrupción del dinero y el poder, 1941. Aquí Wyler ya era un mito. Y por último un remake de Esos tres pero en otros tiempos, La calumnia, de 1961.

Esos tres

Cuenta la historia de un triángulo amoroso que no se ha consumado. Todo transcurre en un colegio de niñas bien donde hay dos maestras jóvenes, el prometido de una de ellas, un doctor vital, y una niña que es una mala pécora. Y es la niña la que difama con mirada sucia (pero con un poso de verdad) y escandalosa a sus maestras que comparten hombre con desagradables consecuencias para todos. Sólo años más tarde podríamos ver la versión real de la historia, de la obra de teatro.

Wyler ya se muestra contador de historias que cuida a sus actores y que emplea con sumo mimo al lenguaje cinematográfico… con un uso siempre efectivo de los espacios. El triángulo amoroso no consumado lo conforman unas jovencísimas Miriam Hopkins (el papel con más matices) y Merle Oberon… y un actor que quiero reivindicar una y otra vez y que pronto le haré un perfil, Joel McCrea.

Dead end

Dead end es una fábula social donde se mezclan distintas historias de gentes de un barrio. Un barrio especial porque se esconde la miseria a la vez que ven continuamente ricas casas de poderosos vecinos. Cada uno tiene sus sueños, sus desilusiones y sus complejas historias. Es una película de personajes que ocurre en un mínimo espacio, en un trozo de calle, y como siempre Wyler hace un manejo genial del espacio. Una película donde se reflejan los contrastes sociales y las hipocresías. Un tema al que es sensible la siempre reivindicativa Hellman.

La labor maravillosa también se realiza con los actores del reparto que cada uno de los cuales tiene unos papeles con jugo. También supone el estreno de los Dead end, un grupo de muchachos-adolescente que harían una serie de películas y que empezaron con ésta su andadura. Sus primeras películas tenían siempre un toque social sobre las dificultades de los jóvenes en ambientes marginales. Algunos de los actores que ‘circulan’ con su personaje por este callejón sin salida son: Sylvia Sidney, Joel McCrea (de nuevo), Humprhey Bogart y Claire Trevor.

La loba

En la época dorada de los grandes melodramas de Wyler con el rostro de Bette Davis (otro dúo de cine) también se inmiscuyó la Hellman creando un personaje perverso, el de Regina Giddens seguida de sus dos hermanos a cada cuál peor. Los tres persiguen el poder económico y social y harán lo que sea por conseguirlo. En un ambiente sureño rancio estos personajes van minando cualquier tipo de sentimiento positivo y arrastran a la perdición a la buena gente. Todo por la herencia familiar, por el dinero y el poder. Se llevan por delante a marido, mujer, hijos… Y entre ellos se comportan como tarántulas. Una historia sobre la corrupción y la decadencia… Un placer sin igual.

Wyler ofrece sus mejores artes y cuida cada vez más el lenguaje en una obra elegante, sofisticada y bien construida. La Hellman crea unos diálogos y unas situaciones memorables. A Bette Davis le acompañan Teresa Wright (el espíritu inocente que se dará cuenta que su hogar está podrido) y Hebert Marshall (el marido honrado y enfermo que protagoniza muerte terrible). Por ahí ya hace sus pinitos uno de los malos oficiales del cine (sobre todo en el cine negro de Lang), un joven Dan Duryea.

La calumnia

Lo que en los años 30 hubiera sido un escándalo si se lo hubieran dejado contar a Hellman y Wyler en Esos tres… en los años sesenta quedó como película correcta y sensible pero sin ápice de escándalo. No chocó a los espectadores del momento, como sí quizá podría haberlo hecho algo más en los 30. Sin embargo el trasfondo de esta historia sí que subsiste. El drama tremendo queda. La decisión final de una de las protagonistas de la historia sobrecoge. Esto muestra que la obra teatral de la Hellman está bien construida y es buena… porque lo que cuenta va más allá del escándalo.

De nuevo un colegio de elite, de niñas, y dos sensibles profesoras. Otra vez niña mentirosa y odiosa de mirada sucia que difama a las maestras y destroza sus vidas. De una mentira surge el rechazo social, la hipocresía y las acciones injustas que irán minando la salud mental de las protagonistas. La odiosa niña difama a las maestras… porque entre ellas tienen una relación lésbica escandalosa que puede ver ‘una inocente niñita’.  La difamadora recibe toda la credibilidad y a las maestras no las dejan explicación alguna. Son juzgadas sin piedad por toda la sociedad, por las familias de las niñas ricas, como si estuvieran haciendo lo peor del mundo. Además una de las maestras realmente va descubriendo que sí que siente más que amistad por su compañera de trabajo…

Wyler de nuevo crea una obra cinematográfica elegante y cuidada con una Audrey Hepburn y una Shirley McLaine absolutamente entregadas a sus papeles. El paternaire masculino es un siempre atractivo James Garner (perfecto como hombre florero). Como unión a la obra de los años 30 vemos en un papel secundario importante a una anciana Miriam Hopkins.

Esta obra está bajo una licencia de Creative Commons.

Estreno sección. Dúos de cine. Matrimonios cinematográficos. Dos actores, dos guionistas, un productor y un actor o actriz, un director y un actor o actriz…, todas las combinaciones son posibles.

Para empezar lo hago con mi querido, querídisimo Burt Lancaster, que durante su carrera siempre quiso evolucionar como actor serio, muy serio. Y además elegir sus papeles con tino. Lancaster además quería participar en un cine de compromiso social y de actualidad del momento. No quería películas vacías sino que expresasen y contasen algo importante. Y uno de sus directores cómplices con el que realizó cinco películas fue el también serio John Frankenheimer. Y cuando estaban los dos unidos en los créditos… algo surgía que merecía la pena. De sus cinco películas he visto cuatro y me queda por ver y disfrutar Los temerarios del aire. De las otras cuatro, todas me parecen buen cine y de interés pero mi favorita sin duda es El tren, que me parece una pasada de película bélica. Los jóvenes salvajes es un buen drama social. El hombre de Alcatraz es la más ‘popular’ y es un intimista drama carcelario. Y Siete días de mayo es un thriller político con pulso y grandes actores.

Los jóvenes salvajes (1961)

Cuando estaba triunfando el musical West side story que ponía en clave de Romeo y Julieta el enfrentamiento entre pandillas de jóvenes de distintas nacionalidades (los puertorriqueños y otros inmigrantes con una situación marginal –polacos, italianos…–) provocando delincuencia juvenil y un malestar entre ellos y el barrio en el que habitan. Pandillas que van enredando sus existencias hasta terminar en dramas diarios… donde ellos sobreviven (y protegen su ‘territorio’, lo único que tienen, lo único a lo que aferrarse) y nadie hace nada por mejorar la situación social de cada uno de los chicos. Pandillas que siguen sus andanzas y dramas hoy. Bien, cuando estaba triunfando este musical de calidad con aires sociales se cruzó en cartelera con el primer trabajo juntos de Burt Lancaster y John Frankenheimer (su primer largometraje en el cine. El director  había hecho anteriormente televisión) que presentaban el mismo tema en clave de realismo social. Un hispano ciego es asesinado por una pandilla de tres italo-americanos. El asesinato lo vemos a través de sus gafas oscuras (ya vemos ahí cómo se las gasta Frankenheimer que sabe narrar a través de la imagen, conoce el lenguaje cinematográfico).

Burt Lancaster es un hombre con ambiciones profesionales y políticas, ayudante del fiscal del distrito, que ve en un principio un caso fácil y para conseguir metas laborales. Así que sin dudarlo acusa a los tres italo-americanos de la pena máxima. Pero pronto se deja llevar por el caso y se da cuenta de que todo es mucho más complejo. Así poco a poco va sintiéndose presionado por su pasado (él también fue un inmigrante italiano marginal que cambió su apellido para subir en la escala social), también aparece la madre de uno de los acusados que es ni más ni menos que una antigua novia suya (Shelley Winters que borda su papel de madre trabajadora en situación precaria), su propia esposa (una mujer rica pero progresista y totalmente en contra de la pena de muerte), ambas pandilla, su jefe (que aspira a gobernador y ve en este caso una posibilidad de ganar votos si emplea un castigo ejemplar para los culpables)… La película consigue el estilo Frankenheimer: tener al espectador siempre en vilo hasta el final de la proyección.

El hombre de Alcatraz (1962)

Su siguiente trabajo unidos da una de sus interpretaciones más recordadas a Burt Lancaster. La película es un intimista drama carcelario. Un conflictivo preso, Robert Stroud, al que condenan durante más de una década al aislamiento más absoluto no pierde su dignidad humana (desde luego no gracias al sistema penitenciario) sino porque un día entra en su celda un pajarillo herido, le cuida y le cura. A partir de ahí se convierte, con tesón y mil y una dificultades, en un especialista de los pájaros. El hombre-bestia contra la sociedad que le golpea una y otra vez se convierte en el hombre sensible y apasionado que se vuelca en aquello que le devuelve como ser humano. Los pájaros y sus alas le dan libertad a su cabeza. De nuevo Burt Lancaster y Frankenheimer con su mirada intensa devuelven una historia apasionante de un hombre gigante que se vuelca en seres pequeños… y es lo que convierte en forma de lucha para combatir un sistema penitenciario que trata no de mejorarlo como persona sino de anularlo cada día… Por ahí secundarios de oro como Karl Malden y una estupenda Thelma Ritter (sólo ella podía ser la madre de Lancaster).

El tren (1964)

Sin duda una película emocionante donde Lancaster se sale y Frankenheimer sigue mostrando que es un maestro del relato cinematográfico y de ponernos de los nervios hasta el final. Cine emocionante. De tensión. Y con historia maravillosa. Transcurre en París, un París que pronto va a ser liberado, pero antes los nazis cargan un tren con los cuadros más importantes que se encuentran en el seno de la capital francesa para llevárselos a Alemania. La película cuenta como un grupo de partisanos (muchos de ellos no conocen los cuadros pero sí viven su pertenencia, sí viven que es algo que no se pueden llevar los nazis…) trata de evitar por todos los medios (incluso arriesgando sus vidas) que esos cuadros no salgan de Francia. El uso que hace Frankenheimer del tren como espacio cinematográfico es absolutamente asombroso. El viaje es intenso y emocionante. Al mando de los partisanos un maravilloso y ágil héroe, Burt Lancaster. No se la pierdan.

Siete días de mayo (1964)

La última que he visto, ha sido Siete días de mayo, thriller político, género en el que Frankenheimer mueve los hilos con pulso. Adapta un bestseller y pone en pantalla una situación ficticia que en cualquier momento podría ser real. Es película de la Guerra Fría. Y película que defiende la democracia como el mejor de los sistemas políticos dentro de sus fallas y desequilibrios. Así vemos como un presidente de EEUU (fantástico Fredric March) vive durante siete días la peor de sus pesadillas. Vive un momento político delicado en que la firma de un tratado con la URSS para el desarme no ha caído bien a un pueblo que vive bajo el yugo del miedo ni entre los militares que con el capitán Scott a la cabeza (poderoso Burt Lancaster) deciden derrocar al presidente con un golpe de estado. La sombra del fascismo es alargada…

La película narra el pulso entre el presidente y sus hombres de confianza y los militares que preparan minuciosamente el golpe de estado. En medio de los dos mundos se encuentra Kirk Douglas un militar que tiene claro (que aunque él tampoco apoya en exceso el tratado) que están ahí para defender la constitución y el sistema democrático… y no para derrocarlo. Por ahí se escapa una belleza decadente con mucha vida a cuestas que sólo podía dar rostro Ava Gadner. Y como siempre entre secundarios de oro un Edmon O’Brien que se sale.

Un dúo cinematográfico que merece la pena rescatar y recordar, ¿no creen? A mí me queda todavía la asignatura pendiente de Los temerarios del aire.

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