A mi querido cuñado Enrique. En su persona forma la ecuación perfecta: raíces burgalesas más raíces libanesas = George Clooney mexicano.

Sí, prometo un ciclo de golpeadores…

A través de Dos tipos de cuidado, comedia ranchera por antonomasia, podemos acercarnos a una cara del periodo conocido como la edad de oro del cine mexicano (de mediados de la década de los 30 hasta finales de la década de los 50). Esta película es tremendamente popular en México (de esas películas que se pasan continuamente por los canales de televisión) y en su época supuso todo un hito porque unía a los dos héroes mexicanos (con permiso de otros galanes de la época): Jorge Negrete y Pedro Infante. La escena culminante de esta rítmica comedia de enredo es cuando ambos divos llevan a cabo un duelo de sones. Los dos rancheros con sus trajes y enormes gorros, con toda su gallardía, antes de empuñar las pistolas empuñan sus voces…

Y es de esas películas que siguiendo sus créditos descubres un montón de sorpresas. Dos tipos de cuidado cuenta con un ritmo adecuado que enseguida te introduce en la sencilla trama: dos grandes amigos están enamorados de dos mujeres. Jorge Bueno (Jorge Negrete) de Rosario (Carmelita González), prima de Pedro Malo (Pedro Infante), y éste está enamorado de María (Yolanda Varela), hermana de Jorge. Durante un año de ausencia de Jorge, a su regreso descubre que su mejor amigo se ha casado con su novia y que además ésta acaba de tener un bebé… y así empieza toda una serie de enredos y malentendidos, de enfrentamientos entre ambos amigos… hasta llegar a la resolución de la verdad… y cada oveja con su pareja…

Los dos charros se desenvuelven en el mundo rural mexicano de los años cincuenta entre la tradición y la modernidad (Jorge Bueno aparece con un cochazo y no en caballo… aunque los caballos siguen realizando su labor). Representan el estereotipo del hombre mexicano en aquellos años: con aficiones como el juego, la fiesta y los amores con lindas muchachas pero a la vez respetuosos y serios con las novias formales y sus familiares, leales, buenos amigos, honrados… y machistas. Son digamos la representación del ‘macho’ mexicano. Y ellas se transforman en la representación de la mujer mexicana de los cincuenta (que nada tiene que ver con el estereotipo que creo La Doña, María Félix): honradas, dignas, floreros, obedientes, bellas, celosas, buenas esposas, hijas y madres, melodramáticas…

Y entre enredo y enredo aparecen míticos actores secundarios de la época dorada del cine mexicano. Destacaremos a dos. Mientras estaba viendo esta película el personaje secundario que más me divertía y el que me parecía mejor construido es el padre de Rosario, un libanés. El suegro es un personaje divertidísimo y sus apariciones siempre preludian una risa o sonrisa. Así descubro tras su rostro a Carlos Orellana. Pues bien Orellana no sólo es actor de reparto de esta comedia sino también uno de sus guionistas junto al director de la película. Así descubrimos uno de los talentos de la época dorada, Orellana hizo de todo en el cine mexicano… actuó, dirigió y escribió. Tenía especial cuidado en la construcción de argumentos. Otro de los personajes secundarios es la madre de Jorge Bueno, una señora anciana con el rostro de Mimí Derba. Detrás de este rostro descubro la historia (desconocida para mí) de una mujer apasionante y pionera. Mimí a lo largo de su azarosa vida hizo de todo: fue empresaria, vedette, cantante, actriz, escritora… y un largo etcétera. Pero lo apasionante también es que fue una de las pioneras del cine silente en México con labores de producción, dirección, escritura de historias… y actriz. Será una gozada investigar más sobre ella.

El director-productor y guionista de la película Ismael Rodríguez también es uno de los nombres claves de la etapa dorada del cine mexicano. Rodríguez creo un cine que arrastraba al pueblo mexicano a las salas (y su cine también saltó las fronteras). Sus géneros estrellas eran la comedia y el melodrama. Y trabajó con los mejores, entre ellos Pedro Infante o María Félix.

Pero las sorpresas no terminan. Mientras veía la película sí que es cierto que veía ciertas soluciones visuales que mostraban no sólo que Rodríguez dominaba el lenguaje cinematográfico sino que detrás estaba también un buen director de fotografía. Y al leer quién era el director de fotografía me encuentro con Gabriel Figueroa. Uno de los mejores y más famosos directores de fotografía de la época que además también trabajó fuera de las fronteras mexicanas. Yo le conocí por primera vez cuando vi la impresionante película de Buñuel Los olvidados. Pero también me topé con su nombre ante una de esas películas que me entusiasman de John Huston, adaptando un cuento de Tennessee Williams, La noche de la Iguana.

Así que os hago una nueva recomendación para tarde veraniega delante de un chupito de tequila… y dispuestos a disfrutar de una divertida ‘guerra’ entre charros…

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… Pesimismo hacia el ser humano o una óptica menos romántica y más unida a nuestros instintos más primitivos… Durante los primeros años de la década de los setenta no proliferaron en el cine norteamericano las películas medicina que te hacían o te hacen creer más en el ser humano sino que surgieron una ristra de películas que ponían al espectador frente a sus instintos más oscuros… y que planteaban, con humanidad descarnada, la dureza del ser humano dominado por los instintos de la naturaleza. Son películas que golpean al espectador de manera brutal. Y de ahí surge una reflexión oscura y cartártica.

Así Deliverance cobra más sentido todavía dentro de un contexto cinematográfico. Pongamos unos ejemplos: Elia Kazan prácticamente se despide del cine con una película oscura y dura, Los visitantes (1972), que muestra una generación de jóvenes destruidos por la violencia y el horror. Sam Peckinpah realiza un impresionante estudio de la violencia en Perros de paja (1971). Scorsese empieza su viaje por los bajos fondos y la violencia en Malas calles (1973…

Deliverance toma la forma de un viaje iniciático salvaje, brutal, terrorífico y misterioso. El viaje por el curso de un río que está destinado a su desaparición por la construcción de una presa. Un río que depara sorpresas desagradables; lo que al principio parece una aventura y una superación de obstáculos (rápidos, rocas…) feliz se convierte en una pesadilla eterna.

Este viaje lo llevan a cabo cuatro hombres de la ciudad: Lew (Burt Reynolds), Ed (Jon Voight), Bobby (Ned Beatty) y Drew (Ronny Cox). El nexo de unión de los cuatro personajes es Ed, que es el único que conoce a todos. Su objetivo: el descenso del río en canoas. Cada uno tiene un ánimo diferente frente a este reto que ‘dibuja’ sus personalidades. Ed y Drew son dos urbanitas que creen en el sistema, y cómodos como padres de familia; Drew además es un ferviente creyente en la democracia y la justicia. En Ed se intuye que dentro de su aparente ‘comodidad’ busca algo más… Bobby parece el más frágil y vulnerable, es el graciosillo del grupo, y el que parece menos apto para la aventura. Y Lew es el rebelde, el que despotrica contra el sistema social, el que quiere fundirse con la naturaleza salvaje y tomarse la vida como aventura y juego. Uno de los aspectos más interesantes que ofrece Deliverance a lo largo de este duro viaje iniciático es como cada uno de los personajes va cambiando de rol cuando entra en juego el instinto de supervivencia.

… En lo idílico del paisaje y la propuesta de aventura empiezan a aparecer notas disonantes e inquietantes que preludian que el viaje en canoa no va a ser sencillo. Así como empiezan a establecerse distintas alianzas entre los cuatro personajes. La nota disonante en el paisaje idílico es la miseria, la pobreza y la brutalidad de los hombres de la montaña. Lo extraño y lo inquietante empieza a sembrar sus frutos a lo largo del metraje. Así ocurre al principio con el bello y a la vez inquitetante duelo de banjos entre Drew y un muchacho que parece presenta una discapacidad intelectual severa. Aquí de manera magistral Boorman presenta la atmósfera extraña en la que se va a mover Deliverance.

Deliverance muestra todas sus cartas cuando estos cuatro personajes urbanitas tienen que enfrentarse a un viaje donde el instinto de supervivencia les domina por completo. El viaje ya no es una aventura sino una cuestión de vida o muerte. Los cuatros viven en sus carnes la violencia y tienen que optar entre emplearla para llegar al otro lado del río… o rehusar a ella y morir en el intento… Los cuatro tienen que llegar a distintos pactos pensando cuál de ellos les hará ‘vivir’ mejor en el futuro… en un viaje que les ha cambiado la vida a todos.

Boorman además de contar con un buen reparto protagonista donde los cuatro ‘aventureros’ se muestran desnudos al espectador y muestran sus escalofriantes transformaciones tras el viaje iniciático… plantea una puesta en escena arriesgada que regala escenas estupedanmente construidas y efectivas.

La manera de presentar a los personajes con sus voces en off mientras se dirigen en los todoterrenos al río que va a ser destruido para convertirse en una presa. Las voces son acompañadas por imágenes de la naturaleza misteriosa y salvaje que va a ser una segunda protagonista de Deliverance. Cómo plantea el duelo de banjos y la presentación de los personajes del entorno rural… Un entorno cubierto de pobreza, miseria y enfermedad donde sólo hay sitio para el instinto de supervivencia y la brutalidad. Un entorno sin caretas pero donde se muestra lo más oscuro del ser humano… que quitará de manera brutal las caretas de los personajes protagonistas. La escena de la agresión a dos de los protagonistas y la resolución de una secuencia brutal. El continúo descenso de las canoas en un viaje cada vez más complejo. El ascenso de Ed a una montaña. El protagonismo que adquiere el arco con flechas y como pasa de Lew a Ed… y su significado… Nada sobra en una película dura y sin concesiones y sin embargo plagada de momentos bellos, otros inquietantes y los de más allá definitivamente entre el horror y la violencia.

Deliverance provoca una reflexión dura sobre el ser humano… muestra la faceta más oscura.

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Grace Metalious fue la autora de un fenómeno editorial, Peyton Place. Metalious murió ahogada en su propio éxito. Muy joven, a los 39 años, y por cirrosis… Grace Metalious desapareció… Ella se convirtió en personaje de ficción que reflejó sus vivencias y la Metalious real no superó el cambio de vida que supuso la publicación de la novela… Grace Metalious podría ser protagonista de un estupendo melodrama.

Peyton Place es una localidad ficticia de Nueva Inglaterra donde transcurre la vida de sus habitantes durante los años cincuenta. La protagonista es una adolescente que aspira a ser escritora y por lo tanto cuenta con un espíritu observador. Peyton Place es una localidad ‘idílica’, parece a lo lejos prácticamente un paraíso… hasta que se empieza a hurgar y escarbar y se encuentra el mundo oscuro de la localidad. Peyton Place, de paraíso a infierno donde sus habitantes tratan de mantener una pátina de pureza y calma que oculte las bajas pasiones, la doble moral y la hipocresía que va minando a cada uno de los jóvenes protagonistas que ven cómo les daña un mundo adulto cada vez más opresor.

El fenómeno Peyton Place fue tal que enseguida fue llevada a la pantalla de cine con un reparto estelar y convirtiéndose también en un gran éxito de taquilla (el fantástico melodrama de Mark Robson, Vidas borrascosas. Siempre que lo veo mi vena melodramática queda colmada). Después pasó a la televisión como serie que ató a los espectadores a la pequeña pantalla.

La escritora trató de repetir el mismo éxito con la segunda parte Regreso a Peyton Place… y la Fox trató de repetir fortuna en la pantalla blanca (con el mismo productor Jerry Wald —especializado en grandes melodramas como Mildred Pierce o Belinda—, la Fox se encontraba en un momento de máxima vulnerabilidad y estaba ávida de éxitos… Hollywood estaba sufriendo una importante transformación), los resultados en taquilla no fueron malos del todo (ya que Peyton Place tenía una saga de seguidores y fans) pero no se parecieron al impacto que se provocó con la primera aparición de la novela.

La secuela de la Fox trata de repetir los mismos ingredientes de la primera parte: un gran reparto, color de melodrama (a lo Douglas Sirk), una banda sonora que lleve al paroxismo al igual que las situaciones que viven sus personajes, recuperación de personajes que funcionaron en la primera parte y exaltación de nuevos… Así Wald sigue apostando en la elección de estrellas por nuevos rostros juveniles y otros ya consagrados y además acostumbrados al melodrama. No dirige Robson sino su amigo el actor puertorriqueño José Ferrer (uno de los aspectos curiosos de esta película, otro actor detrás de las cámaras. Ferrer además de ser recordado por su Cyrano o su Toulouse Lautrec, también se construyó una pequeña filmografía como director) que ofrece una dirección correcta. Regreso a Peyton Place es melodrama muy entretenido con aspectos interesantes pero no redondo, no del todo resuelto. Sin embargo cuenta con personajes poderosos y otros demasiado mal desarrollados. Las situaciones melodramáticas se quedan en medias tintas… y no se atreve a llegar al extasis. En el trailer del dvd se ve cómo cortaron unas escenas de un incendio —conato de asesinato de uno de los personajes más interesantes— y cómo esto deja sin sentido alguna que otra escena así como hace desaparecer a uno de los personajes secundarios sin terminar bien esa trama. Lo supuestamente escandaloso se queda en pequeños conatos que no llegan a escandalizar realmente: un medio adulterio mal resuelto (no se entiende muy bien qué siente el super editor por su nueva pupila), un intento de aborto fallido o una regresión a una violación pasada…

Uno de los aspectos de la trama más interesante es cómo la protagonista, adolescente en la primera parte, y ahora una joven, se introduce en el panorama editorial. La descripción de la profesión de editor, cómo se crea a través de la prensa, el marketing y la publicidad a un futuro escritor, cómo se crean expectativas ante una novela todavía no publicada (algo que sin duda conocía muy bien la autora del best seller)… Otro punto de interés es la defensa a la libertad de expresión. Y de nuevo el reflejo acertado de la doble moral y la hipocresía de una localidad absolutamente idílica (Peyton Place es un antecedente claro de los pueblos idílicos que esconden barro del creador David Lynch tanto en Terciopelo azul como la serie Twin Peaks).

Así José Ferrer deja de nuevo imágenes de una idílica Peyton Place, esta vez predomina el invierno, pues parte del argumento transcurre en una estación de esquí, que sucumbe ante una sociedad opresiva y castradora. La protagonista encuentra un poso de libertad cuando sale de su localidad y se encuentra con un Nueva York en continuo movimiento.

El mejor personaje es el de una magnífica y mítica Mary Astor como representante del Peyton Place castrador, amargo, hipócrita, dominador y salvarguador de una doble moral que destruye… Entre las jóvenes promesas la protagonista tiene el rostro de Carol Lynley (en la primera parte fue Diane Varsi) que nunca llegó a convertirse en estrella y su mejor amiga es representada por Tuesday Weld (en la primera parte una magnífica Hope Lange). Y como veteranos del melodrama o el romanticismo exacerbado una bella (pero un poco florero) Eleanor Parker (en el papel que representó en Vidas borrascosas una fantástica Lana Turner) y como atractivo editor el bello del pelo cano, Jeff Chandler.

Así el regresar a Peyton Place ha sido una buena opción para una tarde de verano. Una tarde donde me encontré de nuevo entretenida con las pasiones exacerbadas en una pequeña localidad aparentemente idílica…

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