Estoy volviéndome a leer Momentos inolvidables del cine de Juan Marsé en el que el escritor capta 99 instantes que transcurren ante sus ojos en la pantalla blanca. 99 escenas de ficción que de alguna manera adquieren un significado propio. Y hay uno que centra su atención porque la cámara capta la realidad de un momento. Algo que realmente está ocurriendo y que además es adecuado para la trama. Nos cuenta cómo el director de fotografía Luis Cuadrado se puso frente a la niña de ojos enormes, Ana Torrent, mientras veía Frankenstein… era la primera vez del personaje pero también de Ana. En un momento de la película cuando el monstruo se acerca a la niña de tirabuzones, “Ana Torrent se sobresalta y la cámara de Luis Cuadrado recoge el instante, irrepetible, inolvidable, el más importante y esencial de la película y, según las palabras de su director, tal vez de toda su carrera profesional: ‘Y, sin embargo, es el único instante rodado sin una premeditación formal; eso es lo paradójico y extraordinario del cine’”.

Me gusta esto que nos cuenta Marsé y esa reflexión que señala de Victor Erice. En varias películas se intuyen esos momentos mágicos… por reales. Porque sabes que la cámara está captando un instante irrepetible. Algunos son fruto de la casualidad, otros de la improvisación genial de algunos actores, el de más allá de lo inesperado (ni se lo espera el actor o actriz que se encuentra ante su personaje), otros surgen de las entrañas del intérprete y sabes que no va a salir más… Igual que digo que son mágicos, pienso que son misteriosos. Sin explicación alguna.

Algunos forman parte de la mitología cinematográfica. Uno surge de la improvisación de un joven actor, James Dean, que con su ‘actuación improvisada’ descolocaba al actor profesional y metódico que tenía enfrente. Y ese maravilloso y real descoloque hace que la escena se transforme. La reacción de un Raymond Massey que no se espera que el joven actor le abrace y llore sobre su hombro y derrame billetes al suelo. Massey se muestra perplejo, se va echando para atrás y grita el nombre del personaje: “¡Carl, Carl!”. Y todos sentimos la misma indefensión de Massey ante ese hijo que no comprende. Dicen que además Elia Kazan fomentó el odio que se profesaban ambos y que tan bien venía a la historia compleja entre padre e hijo en Al este del Edén.

Elia Kazan, que creía en el método (en la escuela del Actor Studio), trabajaba entre otras cosas los miedos de sus actores protagonistas para lograr ‘realidad’ en una escena. Así cuentan cómo conocía el pánico que sentía Natalie Wood al agua y a ahogarse. Y esa angustia se nota durante toda la escena del pantano en Esplendor en la hierba. La actriz lo pasó fatal realmente y eso trasciende.

Otro momento documentado fue el que vivió una Audrey Hepburn destinada a convertirse en ‘ángel’ de la pantalla. Ese ‘momento real’ ocurre durante la escena de la Boca de la Verdad en Vacaciones en Roma… Gregory Peck le gasta esa broma a una Hepburn-princesa que no se espera que haga lo de la mano… Y ese susto con las risas posteriores muestran un instante mágico de realidad.

Esos rostros en los que se percibe un instante real y mágico en la expresión nos han dejado momentos memorables en los fotogramas. Esa cara entre sonriente y dolorosa que regala Charlot al final de Luces de la ciudad. La cara de Antoine Doinel congelado y mirando a todos los espectadores en Los cuatrocientos golpes. O esa lágrima que se desliza sobre el rostro demacrado y vencido de una Marquesa de Merteuil en Las amistades peligrosas.

… O esos monólogos tanto de palabras como de gestos que intuyes van más allá de la improvisación. Y por eso no los olvidas. Como un Robert de Niro ante el espejo en Taxi Driver o un inmenso y calvo Marlon Brando en la semipenumbra delirando palabras cuerdas en Apocalipsis Now. O regresando a Brando ese baile de tango que se marca con Maria Schneider y ambos borrachos perdidos en El último tango en París. Ahí en esa sala notamos el dolor y la pérdida de estos personajes fuera de lugar que contaron con los rostros de unos actores que también supieron expresar esa sensación de extrañamiento y pérdida, de desesperación… esa inquietud inexpresable.

A veces la química y el enamoramiento de los actores protagonistas es tan real que trasciende la pantalla y sus personajes. Una de mis escenas de amor-desamor bien guardadas en mi memoria por la ‘realidad’ que emana se encuentra en esa última escena de amor desesperado entre Julie Christie y Warren Beatty en la colina… en la película de Shampoo de Hal Ashby.

Esos momentos, esos instantes que encierran mucha realidad (y por eso son únicos e irrepetibles)… forman otra apasionante y bella historia del cine. Y cada uno de los espectadores los atesora con deleite… para formar una película diferente.

Esta obra está bajo una licencia de Creative Commons.

A Alfredo (39escalones. Reflexiones desde un rollo de celuloide). Lo prometido es deuda. Ahí va un intento de responder a tus preguntas con la esperanza de que no llegues a clavarme los colmillos en mi desgraciado cuello.

 ¡Me quedaré sin voz pero NO sin el teclado de mi vieja máquina de escribir!

Grandiosa e imperfecta. Entre estos dos adjetivos navegan las luces y sombras de Gangs of New York. Obra inacabada y épica. Los contrarios se encuentran en los suburbios de New York. En toda épica se rememora un pasado. Se reconstruye, con elementos de realidad y de ‘mitología’, un acontecimiento histórico. En la épica puede haber un narrador. En Gangs of New York es el propio héroe el que reconstruye entre ensoñaciones, “vagos recuerdos”, leyendas urbanas e imaginación la batalla entre pandillas para dominar la zona de Five Points en 1846. En esa violenta batalla a Ámsterdam Vallon se le quedan grabadas varias imágenes, varios rostros, una frase de su padre (que le indica que no limpie la sangre de una navaja con la que se ha cortado la cara. La sangre debe permanecer en la hoja)… y la muerte de éste en las manos de su rival, Bill El Carnicero, aquel que porta un ojo de cristal con el águila americana.

Pero ésta es una historia épica de la otra historia América. De la América que nadie quiere ni recordar ni ver, de la América de los bajos fondos, de los suburbios, que también formaron parte de la Historia. Es el enfrentamiento entre los Nativos que ven como amenaza a los que llegan en barcos desde el otro lado del océano, como esos irlandeses que forman los Conejos Muertos, la otra pandilla dispuesta a encontrar su sitio. Y por eso es una triste historia de supervivientes…

Primera batalla

Y aquí nos encontramos con la primera escena impresionantemente contada. La preparación de la batalla en una especie de catacumbas con signos religiosos y bíblicos. En primer lugar marcha el líder que toma de la mano a su hijo. Detrás se van uniendo todos los que se van a acudir a la lucha hasta llegar a una puerta donde está el mercenario del mazo con las muescas que matará junto a los Conejos Muertos a cambio de dinero… Oscuridad. Éste, el mercenario, pega un patadón a la puerta y se vislumbra un Nueva York blanco y nevado… Contraste. Salen a la zona y se extienden en fila, como un muro… y pronto van apareciendo los rivales con sus especiales atuendos (unos llamativos sombreros de copa). Quedan frente a frente.

Scorsese llevaba años queriendo realizar este proyecto descabellado (como muchos de los proyectos cinematográficos de los cachorros del Nuevo Cine Americano… proyectos grandiosos en los que se arruinaban o arruinaban, rodajes de infierno, para vomitar obras como Las puertas del cielo de Michael Cimino o Apocalipsis Now de Francis Ford Coppola. Proyectos que o acababan con sus carreras o les daban el éxito definitivo. O caían y volvían a surgir como aves fénix). El director cuenta que en 1970, en una reunión de amigos, se topó con la crónica histórica escrita en 1928 de un periodista Herber Asbury, Gangs of New York. Bandas y bandidos en la Gran Manzana,1800-1925 (¡Francisco todavía no me lo he leído!). Le interesó lo que ahí se contaba y removió en su bagaje histórico, en las leyendas urbanas, tomó varios personajes, mezcló otros… para que surgiera un universo propio que no pudo poner en pie hasta que llegó el siglo XXI. Y los hijos de los supervivientes de Gangs of New York poblaron las primeras películas de Scorsese. Esa América de bajos fondos tiene a sus herederos en el New York cinéfilo de Scorsese. Por eso Gangs of New York tiene sentido en la evolución de su carrera cinematográfica. Ahí están los bisabuelos o los tatarabuelos de los personajes de Malas calles, Taxi Driver o Uno de los nuestros.

Amsterdam Vallon y Bill El Carnicero

Nos encontramos que ese niño que vio la batalla ahora es un joven que acaba de dejar un reformatorio en 1863 y que vuelve a Five Points para encontrarse el mismo caos que cuando se marchó pero bajo el mandato de Bill El Carnicero, máximo jefe de las pandillas. “No era una ciudad era un horno”. Y toda la imaginería del caos presente para describir un momento convulso… los momentos previos a los disturbios provocados por los alistamientos obligatorios de la Unión para luchar en la Guerra Civil Americana. Poco a poco se va desarrollando esta situación que va a ser el detonante que ‘engulla’ la historia personal de los personajes protagonistas y que estalle en los disturbios finales.

Otra de las escenas magistrales es un plano secuencia que muestra cómo según llegan irlandeses a la tierra prometida en grandes barcos los reclutan como voluntarios para La Unión y para que a cambio de sustento para sus familias vayan directos al campo de batalla. Bajan del barco, van a las mesas de alistamiento, les dan sus uniformes y les suben a otro barco para luchar en una batalla que no es la suya… mientras de ese mismo barco van descendiendo un montón de ataúdes de soldados muertos…

Amsterdam Vallon, héroe épico, cree que tiene una misión: vengar a su padre. Es esa obsesión la que le ha convertido en un superviviente. Y se ha entrenado a fondo para ello (entre otras cosas no ha muerto). Vuelve al mismo sitio donde se celebró la batalla y descubre el distinto destino de los que lucharon junto a su padre (uno se ha vuelto policía corrupto, el otro es uno de los hombres de confianza de Bill, la otra está alcoholizada, el mercenario sigue siendo independiente y es coherente con sus acciones…). Ahora los Conejos muertos se han dispersado. Nadie habla de ellos. El único que venera la memoria del sacerdote Vallon es el propio Bill, porque le considera un rival digno y a su altura. Y todos los años celebra el aniversario de la victoria en la batalla entre pandillas. Ahí será, en esa celebración, donde Amsterdam pretende ejecutar su venganza. Pero para ello se trabaja, al lado de una pandilla de rateros (donde está un niño que le ayudó a intentar huir del reformatorio al finalizar la batalla donde murió su padre), el acercarse e ir ganando méritos para convertirse en persona grata para Bill El Carnicero. Y poco a  poco vamos viendo su ascenso al ‘poder’. Así se establece una relación de admiración mutua entre dos supervivientes del Five Points… algo que Vallon no es capaz de controlar porque El Carnicero se transforma en una figura paterna que no pudo tener… Y para El Carnicero, el joven Ámsterdam es el discípulo avanzado que puede seguir su legado…

Y mientras, el caos y los contrastes siguen en un caótico New York que va mostrando una brutal y salvaje brecha entre las distintas clases sociales. Se nos muestra la diferencia de oportunidades y de vida en ese New York residencial ajeno a la situación que hierve en Five Points de la mano de la raterilla (protegida de Bill El Carnicero y enamorada de Ámsterdam) Jennie, que ejerce de tórtola en los barrios altos. Es decir, va a las grandes residencias disfrazada como una criada del servicio y se inmiscuye en las casas para realizar sus hurtos. Grandes casas neoyorquinas donde transcurrirá años después, alrededor de 1870, la historia de La edad de la inocencia. La visión de Scorsese al New York de Edith Warthon.

Así conocemos algunas familias de la zona alta que sólo se dignan a visitar Five Points para observar el ‘espectáculo’ de la miseria y hacer sus ‘obras de caridad’. También están interesados en Five Points los políticos corruptos que ven la posibilidad de muchísimos votos que les ayuden a escalar en el poder. De vez en cuando se toman medidas drásticas para mostrar a unos y a otros que se ‘combate la criminalidad endémica’ y entre el político de turno y Bill El Carnicero se preparan unos ahorcamientos que sirvan de ejemplo y de que se van a tomar futuras medidas reformistas… Otra de esas escenas imprescindibles: el ahorcamiento de los cuatro rateros y a continuación la celebración de un baile para los ciudadanos de Five Points donde se afianzará la relación entre Amsterdam y Jennie (y también el conflicto para que no prospere su relación)… El juego de los espejos y el baile de las velas de los dos amantes. Contraste brutal.

Amsterdam sigue su ascenso hasta que un día en un teatro popular (espectacular puesta en escena) ve que El Carnicero va a sufrir un atentado y le salva… en ese momento el joven se da cuenta del rumbo distinto que están tomando los acontecimientos. Se da cuenta de que está perdiendo la cabeza y el norte. De que se está desplazando del plan de venganza. Que algo no está saliendo bien. Que sus sentimientos están revueltos. Ahí está el mercenario que ya le ha reconocido como el hijo del sacerdote y le advierte de que todo se está convirtiendo en una tragedia shakesperiana (o como en la mitología en una lucha extraña entre dioses)… y le pone otra vez en vereda. Le dice que sea listo que no sea un “cachorro irlandés ignorante y bárbaro, como tu padre” pero también le habla de que por lo menos su padre quería a los suyos y luchaba por una vida mejor para todos… Ahí el joven Amsterdam sufre una catarsis envuelto en mujeres desnudas, alcohol, opio y su enemigo admirado, El Carnicero. Delante de todos y borracho se levanta y dice: “Estamos en deuda con él”… Ahí también decide arriesgarse y aunque sabe que es la protegida de Bill, meterse de lleno en su relación con Jennie.

Y entonces ocurre otra escena íntima brutal y es un Bill envuelto en la bandera americana herido frente a la cama donde duermen Jennie y Amsterdam juntos. Y donde éste confiesa a un Amsterdam en éxtasis de donde viene su brutal supervivencia: “¿Sabes cómo me he mantenido vivo? Por el miedo. Eso mantiene el orden de las cosas?”. Le explica que él y el sacerdote tenían los mismos principios y les separaba la fe. Y se convierte en profeta: “La civilización se viene abajo”…

La transformación del héroe de los bajos fondos…

A partir de este momento Amsterdam fracasa en su intento de atentado (toda la puesta en escena de la fallida muerte de Bill por parte del joven en la fiesta de conmemoración de la batalla es un alarde de ritmo y suspense) y fracasa como líder porque no ha ido más allá… Es el amigo de la infancia, un joven irlandés superviviente como él, el que le traiciona. Todos están separados. Bill no mata a Amsterdam porque “no merece que yo lo mate” pero sí le clava un puñal y le destroza la cara a cabezazos.

Cuando Amsterdam se recupera junto a Jennie que le cuida… entiende que ése no era el camino. La venganza personal. Una venganza en solitario. Y ahí vuelve el mercenario que guardó durante años la navaja de su padre, quien le pone en un camino que puede poner en peligro la ‘estabilidad’ de Bill. Amsterdam se convierte en un líder que vuelve a unir a los irlandeses, a las antiguas pandillas, para que vuelvan a encontrar, todos juntos, su sitio. Revive el espíritu de los Conejos Muertos y reta a Bill. Se convierte en otro líder a tener en cuenta en Five Points… pero ya nada de esto tiene sentido.

… lo que menos importa es la venganza

Porque es la Historia con mayúsculas lo que cambia el rumbo de la ciudad de manera brutal. Y el destino de Jennie que no puede soñar con llegar a San Francisco, o el sueño de Vallon de encontrar un sitio para los suyos, o el sueño de Bill de perpetuar su reinado del terror… los disturbios que ponen en evidencia las brechas entre las clases sociales, las injusticias, las contradicciones brutales de la guerra (por ejemplo, los brutales linchamientos a los ciudadanos afroamericanos), el polvorín de una ciudad de rica multiculturalidad (que se fusiona… música irlandesa y bailes africanos… claqué y jazz) que estalla en sus bajos fondos porque no hay posibilidades de futuro o de justicia social… sólo el acudir a una guerra (y una vuelta en ataúd) porque no pueden pagar los 300 dólares que sí pueden los hijos de las familias pudientes (los que llevan la batuta de la guerra). Y ese polvorín es silenciado con una represión brutal por un ejército ordenado y frío que avanza y mata.

Y en ese contexto histórico el enfrentamiento personal entre Amsterdam y Bill queda como una triste y estúpida caricatura… porque a nadie le importa cómo mueren ni su historia personal de supervivencia… Son seres anónimos. Es una triste historia irlandesa o una triste historia americana. Terminó la épica. Se cierra el ojo con el águila americana de Bill…

Son las luces y sombras de Gangs of New York. Donde Martin Scorsese ofrece una melodía de una obra inacabada… grandiosa e imperfecta.

Esta obra está bajo una licencia de Creative Commons.

He leído que vamos a saber más de Jesse y Celine… supimos de ellos antes del atardecer, antes del amanecer y ahora nos queda un anochecer en Grecia. ¿Qué les ha pasado en todo este tiempo? ¿Cómo continua su historia?… Han pasado ya nueve años desde que les dejamos a los dos en casa de Celine en París… ¿Cogió Jesse el avión? ¿Se quedó con Celine? ¿Se separaron? ¿Siguieron juntos? ¿Cómo serán ahora sus sueños, sus frustraciones, sus alegrías y sus dolores? Me apetece volver a escucharles… Tienen mucho que contarme.

Richard Linklater, Ethan Hawke y Julie Delpy siguen mimando a Jesse y Celine… y a su historia en común.

Esta obra está bajo una licencia de Creative Commons.

… el cine tiene algo de fantasmagórico. Podemos ver plasmadas imágenes en movimiento de personas que ya no existen. Actores que representan personajes que no son y sin embargo les dan vida…El cine hace que no se deje de creer en fantasmas y en espíritus que regresan a la vida. El cine, resucita. Me viene a la cabeza un delicioso cuento de Vicente Blasco Ibáñez, La vieja del cinema, que de vez en cuando vuelvo a leer porque me fascina. Trata sobre una anciana vendedora ambulante que ha perdido a su nieto en la Primera Guerra Mundial. Un día acude a una sala de cine y reacciona de manera irracional… La mujer se ha emocionado porque en una escena de una película ha creído ver a su nieto resucitado…

Y todo este extraño pensamiento me viene a la cabeza porque ayer disfruté con una película actual pero con una factura clásica, un cuento de fantasmas de los de toda la vida. Con una casa encantada espectacular, unos juguetes infantiles para morirse de miedo, niños en peligro, ruidos extraños, puertas que se cierran y se abren, mecedoras que se mueven, perros que ladran… y un protagonista melancólico y triste que es más sensible a lo sobrenatural. La película en sí no es ninguna obra maestra pero no es lo que persigue. Sólo es una buena historia de fantasmas con una puesta en escena inteligente y elegante. Me refiero a La mujer de negro de James Watkins con el nostálgico sello de la Hammer.

Como mientras la veía, la disfrutaba, recordé lo que me gustan las historias con fantasmas. Y por tanto lo que me gustan las películas protagonizadas por fantasmas. Y la cantidad de argumentos maravillosos y el juego que dan estas apariciones. Así echo una vista al cine reciente y los veo por todas partes. Los fantasmas no tienen nacionalidad. Los fantasmas pueblan buenas y malas películas. En el 2010 el realizador tailandés Apichatpong Weerasethakul nos trajo Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas donde los vivos conviven con los fantasmas de una manera cotidiana. Como algo natural y normal.

El cine español también últimamente ha jugado a los fantasmas. Entre lo cómico y lo trágico. Por estas tierras somos así o nos vamos al drama o nos vamos a lo cómico. Somos país de extremos. Así hace poco en Promoción fantasma, su director Javier Ruiz Caldera realizaba un homenaje a las películas de instituto y terror de los ochenta con acento fantasmal. O quedó clara la conversión de Belén Rueda en la reina del grito con El orfanato, la película de fantasmas que permitió a Juan Antonio Bayona entrar en el mundo de las superproducciones. Sin embargo fue Amenábar quien en 2001 regaló un buen relato cinematográfico de fantasmas con aires de Henry James. Los Otros he de reconocer que me atrapó totalmente. Desde ese grito que pega Nicole Kidman al principio del relato que ya te envuelve… y no te suelta. Por nuestras tierras las historias de fantasmas existen y por eso en nuestro cine están muy presentes…

Pero sin duda quien volvió de nuevo a hacernos creer en fantasmas fue M. Night Shyamalan. Estábamos a punto de cruzar el siglo XXI y nos regaló una historia que nos hizo ver que todavía nos asustaban las mismas cosas que a nuestros antepasados (que a nuestros abuelos, bisabuelos y tatarabuelos), los fantasmas. El sexto sentido… y ese niño aterrorizado que confiesa a su psicólogo que en ocasiones ve muertos… fue una vuelta de tuerca al mundo de los fantasmas. Nos creíamos libres de su influencia pero Shyamalan nos demostró que esto no era cierto…

Si nos seguimos moviendo en el terreno del miedo. De los fantasmas como algo relacionado con los sobrenatural. Con el más allá. Que provocan el pánico. Siempre regresamos a La otra vuelta de tuerca de Henry James que tiene una de las adaptaciones cinematográficas más fascinantes (son varias las versiones) en Suspense (1961) de Jack Clayton. La novela ha sido fuente de inspiración cinematográfica innumerables veces. O regresamos a otro de los grandes hitos del terror con casa encantada y fantasmas. Nos vamos de la mano de Stanley Kubrick a su terrorífica adaptación de la novela de Stephen King, El resplandor.

Los fantasmas también están unidos al amor más allá de la muerte. Así tenemos románticas historias cinematográficas donde los fantasmas campan a sus anchas. Nos podemos ir a uno de los mayores éxitos de principios de los noventa y una de las películas que peor ha envejecido de los últimos tiempos (y por ello de las más parodiadas), Ghost: más allá del amor… donde Patrick Swayze ayudaba a modelar arcilla a Demi Moore… y luego se transformaba en un fantasma que trataba de vengar su propia muerte y seguir velando por su pobre esposa que se quedaba sin su santa protección. Menos mal que el cine clásico nos deja varias obras maestras: la maravillosa El fantasma y la señora Muir… el fantasma como un ser sobrenatural cotidiano que es capaz de enamorarse locamente de la señora Muir y ella también le corresponde. La mágica Jennie, una especie de niña-mujer que en sus fugaces apariciones va enamorando poco a poco a un abatido pintor que va viendo cómo su ‘amada’ se transforma a una velocidad de vértigo. O sin duda la más gótica y romántica de todas las historias de loco amor más allá de la muerte… con fantasmas incluidos, las distintas versiones de Cumbres borrascosas.

Pero también los fantasmas pasearon por el humor. Así de los años ochenta nos vienen también los míticos Cazafantasmas, que volvieron a revivir en la entrañable Rebobine, por favor. Pero ya había antecedentes: quién no recuerda la mítica emisión en televisión española de la película de Abbott y Costello, ¡Agárrame ese fantasma! (1941), en el programa de Chicho Ibáñez Serrador, Mis terrores favoritos, un 28 de diciembre. Por ahí también pululan fantasmas alborotadores como Bitelchus. O algún espíritu burlón femenino capaz de hacer la vida imposible a la nueva y viva enamorada de su marido novelista…

Los fantamas generan también ternura como ese niño que se pasa todo un secuestro disfrazado del fantasma Casper en la maravillosa Un mundo perfecto de Clint Eastwood. También el cine nos quiere hacer creer en fantasmas que no existen como en las maravillosas Vértigo, Rebeca o Las diabólicas. Los fantasmas como ya he dicho antes no tienen nacionalidad, sin embargo, hay culturas que conviven con más naturalidad con ellos. Y ahí está el cine oriental, el chino, el japonés o el coreano para demostrarlo… tienen metros y metros de fotogramas con fantasmas.

No hay duda los fantasmas siempre están presentes en el cine. Incluso el propio cine… los actores y actrices vivos o muertos que son ‘reflejos’ de infinitos personajes en la pantalla blanca tienen una cualidad de espíritus que seguirán siempre vivos a través del movimiento. Que seguirán siempre vivos en la retina de los espectadores…

Esta obra está bajo una licencia de Creative Commons.

1.- Cada diez años la revista británica Sight and Sound realiza su mítica lista de las mejores películas de la historia del cine. Y este año la lista se ha convertido en noticia porque Vértigo de Alfred Hitchcock ha desbancado a Ciudadano Kane de Orson Welles. Casualidades de blog, cuando escribí hace unos días el post sobre Vértigo no tenía ni idea de esta noticia (¡me encantan las casualidades… que todo de alguna manera resulte conectado!)… A mí estas listas me gusta repasarlas, me agradan que se hagan pues creo que son útiles en cuanto que permiten que descubra más películas que me quedan por ver… Y también me gusta que se vayan modificando pues eso quiere decir que las miradas se amplían y que se descubren nuevas obras cinematográficas que pueden aportar más a nuestro gusto cinéfilo. En cuanto Vértigo y Ciudadano Kane las dos son películas de análisis muy ricos y que aportan infinitas miradas. Es un placer visionarlas y poder después desentrañarlas con sumo cuidado…

2.- Marilyn Monroe sigue en primera plana. Se han cumplido cincuenta años de su fallecimiento y ha vuelto a monopolizar portadas de diversas revistas, han vuelto a vertirse litros de tinta sobre su figura y los distintos canales de televisión han ofrecido distintos homenajes bien a través de documentales o proyectando sus películas. De nuevo hemos visto sus múltiples fotografías… y su dimensión trágica así como su conversión en icono del siglo XX. A mí me gusta recordarla como la Cheryl de Bus Stop.

3.- También me he enterado de la muerte de una de esas actrices secundarias míticas: Celeste Holm. Ella es sobre todo recordada por el papel de Karen, la amiga de Margo Channing, en la maravillosa Eva al desnudo. Pero hubo en otro papel que también me encantó y fue también de amiga sensata (eterna amiga), esta vez de Gregory Peck en la interesante La barrera invisible de Elia Kazan.

4.- Ayer vi por televisión Dos mujeres (1960) de Vittorio de Sica que volvió a estremecerme y que desgraciadamente no pierde vigencia. Y me resultó curioso porque hacía poco en otro canal habían emitido una versión que no conocía que se realizó en 1988 para televisión y también con Sofia Loren como protagonista. Y ésa la pillé ya empezada y por el final pero como la de De Sica hacía mucho que no la había vuelto a ver en un principio dudé… pero no me pegaban muchas cosas que fueran de De Sica ni tampoco la recordaba en color… Así que con la emisión de ayer de la original quedaron totalmente aclaradas mis dudas… Me encantó encontrarme (pues no lo recordaba) con un papel relevante y bonito a Jean Paul Belmondo.

5.- Ayer también pude ver pero tan sólo un poco y no entera una película que no vi en su momento Por encima de todo con Michelle Pfeiffer de protagonista (y me he quedado con ganas de verla entera) que empieza con el asesinato de John F. Kennedy. Así me vino a la cabeza la cantidad de veces que el asesinato de John F. Kennedy ha sido reflejado en la pantalla cinematográfica (en breve además se estrena en televisión una serie sobre los Kennedy y seguro que también mostrará el asesinato…). No hay duda de que este asesinato es una de las secuencias de la historia del siglo XX más vistas. Por ejemplo, hace poco volví a ver Sirenas de Richard Benjamin y el asesinato de Kennedy ocupa una importante parte de la trama. O aquellas películas que tratan directamente el tema como JFK de Oliver Stone o la desconocida Acción ejecutiva con Burt Lancaster… En cada uno de estos reflejos el punto de vista y el impacto en los personajes es diferente así como la interpretación sobre lo que ocurrió realmente…

Esta obra está bajo una licencia de Creative Commons.