Ennio: El maestro (Ennio: The Maestro, 2021) de Giuseppe Tornatore

El otro día me hice un regalo propio por mi cumpleaños: me fui sola a una sala de cine a ver Ennio: El maestro. Estuve más de dos hora y media disfrutando. Feliz. Giuseppe Tornatore es cierto que se entrega totalmente al maestro, pero logra un documental hermoso, donde deja ver varias caras de Ennio Morricone. Tornatore consigue mostrar la complejidad de su figura y que existen recovecos donde este no deja entrar tan fácilmente.

Hay determinadas películas que, de pronto, por distintos motivos de tu vida sientes que te hablan. Y Ennio: El maestro fue una de ellas. Por ejemplo, me ofreció un dato más sobre Stanley Kubrick, que tanto me ha acompañado estos últimos meses: el realizador contactó con él para la banda sonora de La naranja mecánica…, y explica que fue una de esas bandas que se quedó con ganas de realizar. Y, por otra parte, el documental habla de una de las películas de mi vida y que estará presente en un proyecto que está a punto de hacerse realidad: Érase una vez en América.

Digamos que hay cuatro relatos en uno, pero con un inteligente sentido del montaje: una extensa entrevista a Ennio Morricone, que es una delicia escucharle. Conversaciones tanto con gente que trabajó junto a él como con expertos que analizan su legado musical. La muestra de su trabajo musical junto a las grandes secuencias de películas para las que creo la banda sonora. Y un rico material audiovisual de archivo sobre apariciones del maestro en distintos eventos públicos y apariciones televisas o en momentos íntimos con familiares y amigos. Giuseppe Tornatore sabe combinar perfectamente los cuatro relatos para crear un retrato bastante completo de Ennio Morricone, aunque con misterios y ausencias.

El documental es la radiografía de un creador, Ennio. Desde su infancia hasta el final (murió recientemente: 6 de julio de 2020). Pero también una lección de música, así como un canto de amor al cine. Toca muchos aspectos de su obra: ese poco miedo que tenía Ennio Morricone a lo experimental, pero a la vez logrando conectar con generaciones de espectadores, que tienen como bandas sonoras de su vida algunas de las que ha creado.

Su infancia y adolescencia marcada por su padre, un trompetista, y su maestro Goffredo Petrassi. Dos hombres de fuerte carácter que no solo moldearon su carácter, sino también la manera de enfrentarse a la música. Sus conocimientos de ajedrez y su aplicación a la hora de crear. Su fama de arreglista perfeccionista, innovador y milagroso que trabajó para grandes profesionales de la canción italiana. Su fuerte relación entre otros con el director Sergio Leone… Cada una de las películas que se convirtieron en leyenda en parte por la música que acompañaba sus secuencias. El amor hacia su mujer Maria Travia.

Un hombre serio…, pero con un marcado sentido del humor. Profesional. Dedicado al cien por cien a la música. Su llamativo complejo de inferioridad. La segunda época dorada que vivió ya siendo anciano, no solo porque le seguían contratando para crear buenas bandas sonoras, sino porque se recorrió el mundo dirigiendo conciertos con la música de sus películas, cómo se le resistió el ansiado oscar…

Me emocioné durante varios momentos, pero particularmente mientras se narra el proceso de creación de la banda sonora de Érase una vez en América, una de las músicas de mi vida (sobre todo el tema de Deborah). O también el momento que cuenta cómo creo la banda sonora de La misión, en un momento de crisis vital y creativa. Me conmovió cómo durante la entrevista Ennio Morricone ante hechos de su pasado llora sin ocultar sus lágrimas, bien de emoción, de alegría o de tristeza.

Una gozada de documental, porque además de disfrutarlo cada segundo, descubrí un montón de cosas que desconocía sobre Ennio Morricone, y me provocó muchas más ganas de indagar en su vida y obra.

Val (Val, 2021) de Ting Poo y Leo Scott

Tenía muchas ganas de poder ver Val desde que leí sobre él hace un año. Y viendo sus imágenes no puedes evitar un nudo en la garganta. Para aquellos que fuimos niños, adolescentes y jóvenes durante los ochenta y los noventa tenemos recuerdos asociados con Val Kilmer… Y luego hubo un enorme silencio alrededor de su figura.

Ahora que Tom Cruise, como si fuese una de las últimas estrellas al viejo estilo de Hollywood, ha presentado en Cannes la secuela de Top Gun es inevitable recordar a Val Kilmer y Kelly McGillis, dos actores a los que el tiempo no ha tratado tan bien. Los tres tienen presencia en este documental.

Kilmer decide que quiere contar su vida y dejar una autobiografía visual, como no podía ser de otra manera. Desde que era un niño Val ha ido grabando con distintas cámaras diferentes momentos de su día a día. Así tenía recopiladas cajas y cajas de material audiovisual donde era el protagonista principal. Desde su niñez, pasando por sus inicios en el teatro, hasta sus primeros éxitos cinematográficos o las últimas representaciones en los escenarios con un monólogo de Mark Twain, escrito por él…, etcétera.

Con una sinceridad que sobrecoge, sin un ápice de victimismo por parte de Kilmer, los realizadores siguen los pasos del actor en el presente, y, de nuevo, con un inteligente sentido del montaje, van indagando en el alma de un hombre, que se desnuda porque lo necesita… Ha visto de cerca la muerte.

El actor que, entre otras cosas en la actualidad, se dedica a realizar collages, construye su vida como si fuera uno de ellos. Y con todo ese material grabado logra explicar su paso por el mundo, lo que significa para él la creación, lo que ha supuesto su carrera en Hollywood y las películas, su relación con el público, las cosas que le han marcado, su fama de actor difícil…

Todo empezó en la infancia, cuando los tres hermanos Kilmer grababan versiones de sus películas favoritas. El futuro actor sentía amor y admiración por su hermano pequeño Wesley, él más creativo. De pronto, la muerte de este último trastocó la vida de toda su familia. Y entre otras cosas, algo le quedó claro a Val: no iba a dejar de seguir rodando. Su hermano no caería en olvido.

Kilmer no deja tema sin tocar, pero sin victimismos ni odios. Es más, no le abandona el sentido del humor. Presenta sus luces y sus sombras. Una de sus luces es que tan mal no lo ha debido hacer como padre, pues sus dos hijos se entregan en cuerpo y alma al proyecto del padre y a su cuidado.

Es una historia, como muchas otras, pero contada en primera persona: sobre la fama, el fracaso, sobre los sueños rotos y la redención. Val Kilmer sufrió no hace mucho un cáncer de garganta que le dificulta el habla y le ha dejado muy tocado, pero prefiere no rendirse. Cuando no puede hablar, su hijo le presta la voz.

Se debate entre la autocrítica que realiza a su carrera cinematográfica y el respeto que siente porque le ha proporcionado un trabajo (se sabe privilegiado) y una legión de admiradores que no le olvidan. Aunque ahora, en alguno de los eventos a los que acude como ferias donde firma sin parar a sus fans cualquier cosa que le ofrezcan o a las proyecciones de pasados éxitos como Tombstone a las que acude, pasea su melancolía y su debilitada salud, que le juega malas pasadas.

Val es un retrato tan sincero, tan desgarrador y tan íntimo que a veces incomoda, pero a la vez deja momentos de una emoción tan desnuda y hermosa, que conmueve. Porque realmente Val Kilmer ha filmado la película de su vida, y la comparte. No solo es un viaje a los secretos de rodaje de Top Secret, Tog Gun, Willow, The Doors, Batman, Heat o La isla del Dr. Moreau, sino también un recorrido a su manera de entender su trabajo como actor, sus frustraciones y sueños. Lo importante que para él han sido, tanto para lo bueno como para lo malo, sus padres, sus hermanos, la mujer de su vida (y luego exesposa), la actriz Joanne Whalley, y sus hijos.

Sí, Val Kilmer hace el papel de su vida siendo él mismo, desnundándose al completo, sin tapujos. Y ese collage que es su vida no está exento de belleza y autenticidad.

Nelly & Nadine (Nelly & Nadine, 2022) de Magnus Gertten

Otra vez ha vuelto Docs Barcelona y Nelly & Nadine me ha descubierto una historia que me ha atrapado. Pero no solo lo que cuenta, sino también cómo la narra Magnus Gertten. En realidad, este último parte del metraje de un noticiario de guerra que se rodó en su país, Suecia, en el puerto de Malmö, donde se veía a varios supervivientes de los campos de concentración (casi todos mujeres y niños). De pronto, el realizador sintió la necesidad de dar nombre a sus protagonistas en pleno siglo XXI. Y así fueron naciendo distintos documentales (Harbour of Hope, Every Face Has a Name), hasta este último: Nelly & Nadine.

En dicho noticiario hay un primer plano del rostro de una mujer que le llama poderosamente la atención. Logra identificarla como Nadine Hwang, una mujer china. Pero nada más logra saber de ella.

Uno de los documentales de Magnus Gertten lo vio una mujer, Sylvie Bianchi, en París. Esta se acercó al realizador y le dijo que había reconocido a Nadine Hwang, y que tenía cosas que contar.

Su abuela era la cantante lírica Nelly Mousset-Vos, que fue detenida en 1943 y llevada al campo de concentración para mujeres Ravensbrück. Nadine también estuvo en el campo. Las dos sobrevivieron, aunque a Nelly la trasladaron posteriormente a Mauthausen. Sin embargo, pudieron reencontrarse y vivir juntas durante décadas en Venezuela.

Sylvie le dice al director que esta relación es un secreto de familia y que tiene en el desván de su casa un baúl lleno de fotografías, películas, cartas y diarios de su abuela, que nunca ha sido capaz de revisar. Ahí tiene Magnus Gertten el material para este maravilloso documental.

Cuenta la historia de amor entre Nelly y Nadine que nació durante su estancia en el campo de Ravensbrück. En una velada de Navidad (Sylvie recuerda que para su abuela las Navidades eran importantísimas) en el campo, permiten cantar a Nelly. Una de las reclusas le pide que si puede cantar Madama Butterfly. Es Nadine.

El documental sigue el proceso de descubrimiento de la nieta de Nelly de la historia completa de estas dos mujeres. Entre lecturas de cartas, diarios, partituras, fotografías… y películas de super 8, pues Nadine era una gran aficionada a rodar, se reconstruye una historia oculta de los campos, que culmina en Venezuela. Sylvie va reconstruyendo el pasado de un secreto de familia, reuniéndose con personas que conocían perfectamente a Nelly y Nadine.

Me viene a la memoria My Mexican Bretzel (2019) de Nuria Giménez Lorang. Mientras la directora crea a través de las películas de su abuelo, encontradas tras su fallecimiento, un melodrama a lo Douglas Sirk. Es decir, se sirve de imágenes en movimiento reales para crear una ficción. Sylvie, junto al director Magnus Gertten, con lo encontrado en ese baúl de su abuela en el desván, entre otras cosas imágenes de Super 8, reconstruye la historia real de Nelly y Nadine, que bien podría ser el material de partida para un increíble melodrama de Todd Haynes, uno de los herederos de Douglas Sirk.

Misterios de la sala oscura. Ensayos sobre el cine y su tiempo (Taurus, 2020) de Fernanda Solórzano

Llevo tiempo que leo y escucho a la crítica de cine mexicana Fernanda Solórzano. Me gusta la mirada que vierte sobre las películas y las críticas que realiza de las películas que ve. Misterios de la sala oscura. Ensayos sobre el cine y su tiempo recopila ocho interesantes miniensayos donde Solórzano analiza ocho películas centrándose en el tiempo en que fueron rodadas, y explicando por tanto los mecanismos que las pusieron en marcha y las convirtieron en referentes cinematográficos.

Así que Fernanda Solórzano propone un viaje con una mirada propia que logra su propósito: querer ver de nuevo esas películas, pues ha aportado interesantes llaves para disfrutarlas otra vez.

La crítica mexicana tiene una forma de ver y sentir las películas muy cercana a como yo entiendo también el cine: creemos en el cine como herramienta para entender el mundo que nos rodea. «Lo que sigue intenta descifrar (y al mismo tiempo descifrarme) un conjunto de películas que de algún modo han marcado mi vida y las de millones de personas. ¿Por qué esas y no otras? Todas tienen algo en común. Desde el día de su estreno hasta hoy sirven de referencia en conversaciones, se usa el nombre de sus personajes para hablar de temperamentos y sus escenas sirven de ejemplo para discutir escenarios políticos, dilemas morales, crisis sociales y disyuntivas íntimas. Son películas que capturaron su tiempo y que han terminado por moldear el nuestro».

Las ocho películas analizadas son La naranja mecánica, El último tango en París, El Padrino, El exorcista, Tiburón, Taxi Driver, Forrest Gump y Matrix.

De todos los ensayos, disfruto de sus lecturas y planteamientos: desde la historia de las bandas, los rituales y la violencia en las urbes, pasando por un interesante análisis del feminismo para analizar la película de Bertolucci, por qué triunfa en los setenta el modelo de familia de mafiosos presentado por Coppola o entender el momento en qué Tom Hanks se convirtió en Forrest Gump, y por qué triunfó su personaje.

Si me preguntasen con cuál de los ocho ensayos me quedo, quizá respondería que con «El redentor de la noche», el que versa sobre Taxi Driver, donde va contando paralelamente la vida de los artífices de la película: Scorsese, Schrader, De Niro y Foster, para entender como se crearon, y bajo qué experiencias, las vivencias de Travis Bickle.

Misterios de la sala oscura. Ensayos sobre el cine y su tiempo no solo es la oportunidad de leer un buen libro de cine, sino de descubrir a una crítica de cine como Fernanda Solórzano, que cuenta con una mirada especial y que merece la pena compartir.

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