Oscars 2024… Este año me sorprendí cuando vi el listado de los largometrajes nominados a Mejor película, pues me di cuenta de que había visto las diez películas. Y todas tienen algo que no me dejó indiferente. Volvería a ver las diez, sí, y creo que eso es lo mejor que se podría decir de cada una de ellas.

De la ganadora, Oppenheimer, y de Barbie ya hablé en una serie de post que escribí bajo la denominación Descubrimientos veraniegos. Y de varias de ellas he dejado unas palabras en Letterboxd (Hildy_Johnson_). Jajaja, sí la única red social en la que me he apuntado hace apenas y porque me lo pidió mi sobrina cinéfila, pues según ella tengo que modernizarme. Y de las que nada he hablado (tan solo dos), pues aprovecho este texto.

Qué deja en evidencia el listado, pues que cada una es de su padre y de su madre y muy diferentes entre sí. La diversidad de géneros y temáticas que supone. La variada nacionalidad tanto de los directores como de las propias películas (que eso dice bastante de la cosecha Hollywood) y la riqueza de planteamientos sobre diversas cuestiones. Esa es la curiosidad de todo listado, se vaya a premiar o no. La variedad del abanico que propone y la radiografía sesgada de lo que se ha podido ver en 2023 al otro lado del océano.

Cuál es mi favorita de las diez. Si me hubiesen dicho: “Venga, da tú el premio”, lo hubiese pasado mal. Tengo claras las que no, pero luego entre las que voy a decir no sé por cuál me hubiese decantado: Vidas pasadas, La zona de interés, Los que se quedan y Los asesinos de la luna.

Vidas pasadas de Celine Song

In-yeon.

Conexión entre dos seres humanos.

Vidas pasadas.

Hasta un roce es cuestión del destino.

Tú eres una persona que se va.

Tú eres una persona que se queda.

… Olvídate de mí…

O imagina qué hubiese pasado o cuántas posibles vidas hubiesen existido si tú y yo hubiéramos permanecido juntos cuando solo éramos niños o no hubiésemos cortado años después nuestras conversaciones on line.

Quiero entender lo que sueñas.

Tenemos la conexión, pero nuestra historia de amor es imposible…

Ahora, sí, Vidas pasadas es solo una historia de las probables.

Quiénes son esos dos coreanos con un estadounidense en la barra de un bar de copas en New York. ¿Por qué están juntos? Esto es lo que formulan unos desconocidos (nosotros) al principio de la película.

Y se nos ofrece una posible mirada… o vida pasada.

Poor Things de Yorgos Lanthimos

Durante el visionado de la película solo me preguntaba ¿quién es la chica que se tira desde el puente? ¿Qué la pasó? ¿Por qué se tira?

Luego con la resolución final me dije: ¿Así que Victoria nada tiene que ver con Bella? ¿Realmente el cirujano Goodwin Baxter da vida a una joven criatura?

¿Ciertamente hay entonces dos identidades? Bella nada tiene que ver con Victoria más que un mismo cuerpo…

Luego busqué información sobre el libro de Alasdair Gray (qué ganas tengo de leérmelo) y me di cuenta de que Yorgos Lanthimos no juega con la ambigüedad de las miradas de los personajes y que realiza una adaptación tremendamente libre de la historia, dejando incluso en el camino el sentido que buscaba Gray. Vamos, que cuenta lo que realmente le viene en gana.

La película de Yorgos Lanthimos es tremendamente entretenida, crea un mundo de fábula donde se representa un peculiar universo victoriano, pero sin definir exactamente en qué tiempo transcurre y con elementos de ciencia ficción y fantasía.

Al final a mi parecer Pobres criaturas es la historia de una “criatura” (el experimento científico de un cirujano) que sin tener un pasado ni un contexto ni una educación se enfrenta a un mundo regido por un sistema establecido y con unas normas específicas.

Bella Baxter posee un cerebro sin desarrollar, nuevo, que tiene todo por evolucionar y aprender. Todo por experimentar y vivir. Bella va descubriendo el mundo que la rodea sin ningún condicionamiento ni prejuicio. Y el aprendizaje le va dando no solo conocimientos, sino herramientas para preservar su libertad individual como Bella Baxter y también para tratar de mejorar el mundo bajo su mirada.

Bella realiza su aprendizaje no solo saliendo de la casa de su creador, sino emprendiendo un largo viaje. Y en el camino son varios los hombres que tratan de encarcelarla, dominarla, cambiarla…

Es como si la novia de Frankenstein, esa inolvidable Elsa Manchester, hubiese tenido la oportunidad de viajar y evolucionar, de rebelarse del propósito para el que había sido creada, huyendo.

En ese viaje donde Bella trata que no la encierren ni dominen, observa, imita, siente curiosidad, aprende a satisfacerse y descubre el placer, emplea y desarrolla el lenguaje, va mejorando en la escritura y en la lectura, abre los ojos ante las desigualdades sociales y económicas, se enfrenta al poder, la utilidad del dinero y las decisiones morales…, etcétera.

Quizá el mayor defecto es que todo es contado por Lanthimos con demasiada simpleza, con poca sutilidad y con una mínima profundidad que hace que su fábula no solo no se pueda tomar demasiado en serio, sino que caiga en exceso en la caricatura, algo que no pasaba en Canino, Alps o Langosta.

Pero es tan entretenida, tiene momentos visuales tan potentes y barrocos y sus actores principales están tan bien que atrapa de principio a fin.

Todos los hombres tratan de dominarla en algún momento dado: el creador, el ayudante y futuro esposo, el abogado manipulador y amante (ese Mark Ruffalo que se marca un Bellaaaa, que es un reverso de Stellllaaaa de Marlon Brandon en Un tranvia llamado deseo), el cínico que no soporta la felicidad y libertad de Bella, su violento exesposo, los que demandan sus servicios sexuales cuando ejerce la prostitución que hacen incluso que deje de sentir placer… Todos los obstáculos con los que Bella va lidiando para ir construyendo su propia mirada del mundo.

Pobres criaturas no me ha removido como hicieron otros largometrajes del director griego, pero su visionado y análisis me resulta de lo más interesante, así como el debate y la controversia que ha generado.

La zona de interés de Jonathan Glazer

Lo tremendo de La zona de interés no solo está en su banda sonora, que narra acústicamente todo el horror (esos hornos que no cesan, los gritos, los lamentos o los disparos), sino también en cada detalle. Un niño que juega con unos dientes, un pintalabios en un abrigo de piel, un jardinero (claramente prisionero del campo) echando cenizas en la tierra donde crecen las flores y el huerto, un río que arrastra huesos y también cenizas, un juego infantil nada inocente…

Todo incomoda en la película de Glazer, desde la música experimental de Mica Levi que abre en negro la película y nos anuncia que el sonido es lo que importa hasta cada breve diálogo que se produce en la casa de los Höss, pegada al campo de concentración. Cada palabra, cada risa, cada enfado adquiere un significado que sobrecoge, incluso ese cuento nocturno de Hansel y Gretel donde la bruja acaba en un horno. Todo chirría, como el matrimonio de Höss y sus aspiraciones de ascender socialmente, de vivir con todo lo soñado, mientras ella crea un vergel al lado del infierno, y él asciende por su eficacia en el exterminio, pero acusando cada vez más el estrés en su persona. Ella se niega a dejar “su hogar” cuando se plantea un posible traslado y él le confiesa “su alegría” por el ascenso y el reconocimiento obtenido.

Jonathan Glazer continúa esa línea narrativa de cómo reflejar el horror. Presenta un punto de vista al otro lado de la valla y cuenta con el conocimiento visual que tiene el espectador de los campos de exterminio. De alguna manera, no dejaría de ser interesante una sesión doble con el cortometraje de László Nemes, Con un poco de paciencia. Ambos realizadores parten de una misma manera de la representación de lo horrible.

Solo hay un atisbo de esperanza y humanidad en este relato cinematográfico: esas imágenes de luz nocturna que sigue a una niña que va dejando alimentos ocultos para los prisioneros del campo. Una niña de cuento, elemento discordante, con su vestido, cesta y bicicleta. Glazer parte de un testimonio real de una mujer de la resistencia con la que se entrevistó, que le contó lo que hacía de niña.

Me han quedado unas ganas inmensas, aunque según parece se inspira muy libremente, de rescatar la novela de Martin Amis.

Anatomía de una caída de Justine Triet

En Anatomía de una caída el empleo del sonido, la vista y la palabra son los elementos que hacen funcionar este artefacto.

Una pequeña familia: un marido francés, una esposa alemana, un niño con una lesión ocular y un perro. Una caída al vacío. Un cadáver. Ese es el arranque.

Y después el juicio, pues hay indicios de que en esa caída pudo haber una persona implicada.

Un asunto importante es que el matrimonio en cuestión está formado por una escritora que arrastra cierto éxito y un escritor frustrado. Conocen las complejas conexiones entre la realidad y la ficción.

De tal manera que la película no consiste en el desvelamiento de lo que ocurrió para que se produjese la caída, sino en los distintos relatos subjetivos que se van construyendo para tratar de desvelar lo que realmente pudo ocurrir.

El relato de la persona señalada como culpable, el relato del abogado para la defensa, el relato de los testigos, el relato del fiscal, el relato de los tertulianos de la televisión, el relato de los reporteros… Y el relato que trata de elaborar un niño para entender lo que pasó, que busca desesperadamente la verdad, un indicio.

En todos estos relatos con alguna prueba, como una discusión grabada en un USB, se va revelando la intimidad de una pareja y sus múltiples lecturas.

Lo interesante de Justine Triet es que a pesar de la importancia del guion, logra un película potente con decisiones de puesta en escena inteligentes como, por ejemplo, ese momento en que en el juicio todos escuchan esa discusión grabada y, de manera elegante y sutil, nos traslada a ese momento tenso entre la pareja protagonista. Sus personajes no solo están bien construidos en su complejidad, sino que las actuaciones aportan un montón de matices a la historia, como la de Sandra Hüller.

Anatomía de una caída es el título perfecto porque efectivamente se disecciona la caída al abismo de los personajes principales ante el suceso ocurrido.

Los que se quedan de Alexander Payne

De principio a fin no se me borra la sonrisa de la cara.

Sí, Alexander Payne me está contando un cuento de Navidad en los años setenta.

Y yo me hundo en él desde que aparece el primer acorde.

Me meto en la academia Barton, un internado estadounidense de élite, donde acuden alumnos de clases privilegiadas.

Paseo por sus estancias.

Todo está nevado.

Un árbol de Navidad.

Unas galletas en forma de adornos navideños.

Un coro.

Las últimas clases, los últimos suspensos.

Las últimas peleas.

Los ecos de aquellos que no están.

Las huellas de esas guerras que nunca acaban.

Pero poco después, todo el edificio se queda vacío.

Son las vacaciones de Navidad.

Y solo se quedarán entre sus paredes tres almas solitarias, heridas y con mucho dolor a cuestas.

Un profesor cascarrabias de Historia clásica.

Tiene sus motivos.

Un alumno rebelde.

Tiene sus motivos.

Una cocinera con el corazón roto.

Tiene sus motivos.

Los que se quedan…

La extraña familia está servida.

Y yo buceo en cada fotograma y me lo creo todo. Es más, me gusta créermelo.

Sí, es un buen cuento de Navidad.

Humor, melancolía, reflexiones…

Me deja las meditaciones de Marco Aurelio, un vinilo de Artie Shaw, un libro en blanco, unos cuantos antidepresivos y las ganas de probar las cerezas jubileas.

Maestro de Bradley Cooper

Maestro es una película magistralmente imperfecta. Es barroca y tiene momentos especialmente bellos, así como decisiones brillantes; por ejemplo, emplear como banda sonora de la propia vida de Leonard Bernstein aquella música que compuso o que fue importante para él o anunciar la muerte de un personaje con un fuera de campo, donde vemos las reacciones de las personas más cercanas.

La película gira deslavazadamente alrededor de la relación que mantuvo el compositor con Felicia Montealegre. Cuenta la historia de Bernstein y su conexión con Felicia, cómo formaron una familia y tuvieron tres hijos… Y sus más y su menos, sobre todo por las dependencias a las drogas y el alcohol y la bisexualidad de Bernstein.

Bradley Cooper no solo está detrás de las cámaras, sino que también se convierte a base de prótesis en el famoso compositor estadounidense. Pero los ojos del actor transmiten más que su nariz de mentira o los peinados de su cabello. Carey Mulligan está natural y trágica, componiendo un personaje que atrae desde el primer momento y deja ganas de saber más sobre él.

Como todo biopic que se precie cuida todo lo relacionado con la ambientación. Decide abarcar tan solo un aspecto de su vida, los días junto a Felicia, y saltarse aspectos importantes como su posicionamiento político. Maestro es un repaso por sus momentos felices y los más oscuros. Más bien pinceladas. Y opta por un género determinado y acertado: el puro melodrama.

Cooper logra establecer un nexo de unión entre Maestro y su anterior obra, Ha nacido una estrella. La dureza y la dificultad de gestionar la fama con la vida íntima y la soledad y necesidad vital del proceso creativo. También se nota la pasión y la entrega del actor hacia sus personajes y las historias que cuenta.

La película empieza con una cita del propio compositor: “Una obra de arte no contesta preguntas, las provoca, y su significado especial está en la tensión entre las respuestas contradictorias”. Sin duda, Bradley Cooper trata de jugar con esta premisa para crear su propia película. Y no fracasa del todo: uno se pregunta sobre la vida y obra de Leonard, pero no consigue esa tensión por las miradas contradictorias hacia el personaje.

No obstante, la película engancha por el potencial que encierra, pues dentro de su imperfección hay destellos de buen cien y de ganas de contar bien una historia.

American Fiction de Cord Jefferson

American Fiction es una película de personajes. Y lo que me ha resultado más interesante de su propuesta es cómo cuestiona la representación en la literatura y en el cine de la comunidad afroamericana. ¿Qué imagen predomina? ¿La que dicta el mercado? ¿La que quiere el americano blanco con discurso progresista, que era el que hasta hace nada reflejaba a la comunidad y tenía la voz y el discurso? ¿La que realmente aportan genuinamente los propios afroamericanos una vez tienen la voz y el discurso sin hacer caso al mercado o metiéndose plenamente en él?

Lo mejor de American Fiction es la cantidad de preguntas que aporta, la mirada que refleja y los personajes que construye, sobre todo los de la familia del protagonista, Monk, un escritor que ama la literatura, pero no tiene un camino fácil para defender lo que realmente quiere contar.

Otra manera interesante de leer la película con diversos matices es la mirada crítica que ofrece sobre la industria editorial y todo lo que hay alrededor de ella.

Los asesinos de la luna de Martin Scorsese

Fui a verla a una sala de cine.

Y la disfruté, pese al cansancio que arrastraba.

Me gustó cómo Scorsese cuenta una historia silenciada o poco comentada.

Esa mirada hacia el capitalismo salvaje unido con el exterminio del pueblo indio.

Y todo contando una historia concreta: la de los osage.

Los asesinos de la luna se centra en un matrimonio, el formado por una osage rica y un chófer pobre y blanco.

Lo que más me ha atrapado de la película de Scorsese, no es solo lo que cuenta, sino cómo lo cuenta.

Cómo va construyendo ese reinado del terror.

Esos asesinatos programados.

Los que ostentan el poder.

Los que ostentan el dinero.

Y los que son marionetas y empleados para la destrucción.

La fiebre del petróleo.

La fiebre del poder.

La historia sobre el silencio y el exterminio de los pueblos indígenas por parte de los “pioneros”.

Y de fondo un matrimonio con una relación que les mantiene juntos, pero con mucha toxicidad de por medio.

Me gustan los mecanismos que emplea el director para nunca mejor dicho relatar oral y visualmente la historia de EEUU bajo su mirada, dejando un giro final que me resulta fascinante y hermosamente resuelto.

Esta obra está bajo una licencia de Creative Commons.