Soy Hildy Johnson y me declaro culpable por mi total devoción hacia William Shakespeare y todo lo relacionado con su persona. Una de las lecturas más emocionantes del año pasado fue Hamnet de Maggie O’Farrell. El otro día fui a ver la película de Chloé Zhao, que por suerte atrapa la esencia de esta obra literaria: cómo a través del arte, el proceso de creación del artista y la catarsis que puede provocarnos una interpretación cuando somos público se puede superar el duelo por la ausencia de un ser querido.

Y me viene a la cabeza otra de las películas que este 2025 me ha tocado muy fuerte: Ghostlight de Alex Thompson y Kelly O’Sullivan, precisamente porque toca exactamente lo mismo. Como una familia herida por una ausencia logra comprender lo que ha pasado cuando el padre por hilos del destino termina en un grupo de teatro amateur que pretende poner en pie un peculiar montaje de Romeo y Julieta.

A raíz de estas propuestas artísticas alrededor del bardo me doy cuenta de cómo este blog siempre ha estado empapado por lo shakesperiano y también mi vida. Más de una vez he contado y aquí va de nuevo (cual abuela Cebolleta) que mi puerta de entrada al señor William Shakespeare fue siendo niña cuando me sentí totalmente hipnotizada por un cómic de ediciones Deana (1982) de El sueño de una noche de verano. La adaptación que me cautivó por sus dibujos fue del historietista Miguel Quesada Cerdán.

Me enganché fuerte a esa noche mágica de seres fantásticos que se mezclaba con la historia de esos jóvenes que se enamoraban, perdidos en el bosque, y que les pasaban cosas que les nublaban el juicio y con esos personajes del pueblo que querían ensayar una obra para representar ante los poderosos.

A partir de ahí el idilio con Shakespeare aún no ha terminado. Nunca he podido desprenderme de esa noche de verano. En el blog he nombrado alguna vez mi fascinación por un montaje que realizó la compañía Ur Teatro en Sala Cuarta Pared de Madrid durante los años noventa. Y también mi felicidad cuando Tim Robbins presentó dicha obra en 2015 en Teatro Salón Cervantes en Clásicos en Alcalá. Con la emoción de Hildy por ver a Robbins cerquita, cerquita, disfrutando de su propio montaje desde un palco del teatro.

Si bien las distintas adaptaciones cinematográficas de El sueño de una noche de verano en el cine que he podido ver a mi parecer no logran captar la magia de los escenarios (me refiero a la de Michel Hoffman o la de William Dieterle y Max Rinhardt), nunca puedo olvidar la importancia de esta obra en El club de los poetas muertos y sobre todo para uno de los personajes más carismáticos de la película de Peter Weir, Neil Perry (Robert Sean Leonard).

Hay mucho del espíritu shakesperiano en la representación que realiza Neil de Puck, personaje clave de El sueño de una noche de verano, así lo escribí en su momento: «Un personaje que es una criatura nocturna, un ser creativo e imaginativo, que no pertenece a un mundo gris. De pronto, Neil no solo es feliz actuando, sino que se siente Puck, habitando un mundo mágico donde él se siente dueño de su destino, donde puede expresarse y sentir, donde huye de la realidad gris en la que sus padres quieren hundirle. Cuando ese sueño de una noche de verano se aleja, entonces Neil se hunde. No encuentra su sitio en ese futuro que le están construyendo».

Regreso entonces de nuevo a Hamnet y me centro en esa secuencia final de catarsis que convierte la película en un espectáculo visual especial y que además me permite enlazarla a un ensayo imprescindible para todo amante de Shakespeare que además sea también cinéfilo apasionado del que ya escribí un post hace años. El ensayo en cuestión es El mundo, un escenario. Shakespeare: el guionista invisible, de Jordi Balló y Xavier Pérez.

Los autores indagan en esa huella eterna del bardo incluso en las maneras de contar y en los procesos creativos a la hora de construir historias en el cine, no solo refiriéndose a las adaptaciones de sus obras de teatro, sino a la presencia de su espíritu en distintos argumentos. Hay una frase al final del ensayo reveladora donde los autores dan en la clave de ese guionista invisible que es Shakespeare: «Sabemos que el mundo es un escenario, pero no nos resignamos a ser solo sus espectadores».

La presencia del bardo en el blog deja un sendero de recordatorios, reflexiones, miradas, películas y matices que siempre merece la pena recorrer. Sonrío cuando recuerdo que en la versión amateur de Romeo y Julieta que tienen que montar un grupo de aficionados en esa sorpresa que ha sido para mí Ghostlight, las circunstancias obligan a que los jóvenes protagonista sean representados por dos personas de bastante edad. Y entonces me viene a la cabeza esa reseña donde contaba las peculiaridades de la versión de Romeo y Julieta de George Cukor, pues todos sus protagonistas no eran adolescentes apasionados, sino maduros actores con mucha vida a cuestas (Norma Shearer, Leslie Howard o John Barrymore, todos ya talluditos y con la adolescencia muy lejana).

Entonces sí que me voy a las distintas versiones cinematográficas de Romeo y Julieta que me han hecho feliz como la de Franco Zeffirelli (1968) o la de Baz Luhrmann (1996) o, sobre todo, ese musical que toma el argumento universal (otro concepto magnífico de Jordi Balló y Xavier Pérez) y lo lleva a las calles de New York, la maravillosa West Side Story (1961), de Robert Wise y Jerome Robbins. La de Steven Spielberg no me caló tanto, pero la debo otro visionado.

Y, por supuesto, no puede faltar esa película que también inventa otro momento de la vida de Shakespeare y cómo dio luz a Romeo y Julieta, qué circunstancias ocurrieron a través de su escritura y cómo fue representada en el teatro. John Madden construye una gran comedia romántica, también como si pudiera ser escrita por el propio dramaturgo en su faceta cómica y vital, donde no falta aventura, romance, diversión, peleas y mucho amor al teatro. Estoy hablando de Shakespeare enamorado.

Continuo mi viaje shakesperiano por distintas entradas del blog y casi siempre que sale por algún motivo nombrado Kenneth Branagh aparece el bardo. Porque Branagh me hizo amar más a Shakespeare con sus películas y esperaba sus estrenos para enamorarme más de las obras de Shakespeare y la cantidad de posibilidades que ofrecía el cine para plasmar sus argumentos, afianzando esa idea del ensayo del que antes he hablado de presentarle como un guionista invisible que conocía los mecanismos para atrapar con historias que encajan en escenarios y pantallas blancas.

Así fui disfrutando de Enrique V, Mucho ruido y pocas nueces, En lo más crudo del crudo invierno, Hamlet, Trabajos de amor perdidos, Como gustéis o El último acto. Branagh hizo que descubriese o mirase de otra manera también al Shakespeare festivo, lúdico, cómico y divertido. No ha sido nunca muy valorada, pero me encantó la osadía de Branagh de convertir Trabajos de amor perdidos en un maravilloso musical clásico. Qué ganas tengo de volver a verla.

A propósito de Branagh, él aparece como actor en Mi semana con Marilyn. En una película tan ajena al bardo, Shakespeare también está presente. Y todo tiene explicación. El director y actor británico se mete en la piel de Laurence Olivier y su trabajo con Marilyn Monroe en El príncipe y la corista. Olivier era un actor especializado en personajes shakesperianos y en llevar a cabo proyectos y procesos creativos con las obras del bardo en los escenarios y el cine.

En un momento de la película, Laurence Olivier y Colin Clark (el otro personaje de la película con rostro de Eddie Redmayne y en su crónica se basan las experiencias que se reflejan) admiran una secuencia de Marilyn bailando en un cine. Los dos están fascinados con lo que ven. Olivier recurre a Shakespeare para expresar lo que siente. Y Colin reconoce las palabras de Próspero en La tempestad: «No dejarán un solo rastro. Somos la sustancia de la que están hechos los sueños, y nuestra pequeña vida se circunscribe con un sueño».

Por otro lado, en El último acto recrea también un momento en la vida de Shakespeare (Branagh dirige y se convierte también en el bardo) años después de donde se queda Hamnet. Kenneth convierte los últimos años de Shakespeare en una obra de enredo y drama familiar que podría escribir con su pluma el propio dramaturgo. Will regresa junto a su mujer y sus dos hijas a su ciudad natal, Stratford, pero arrastra no solo sus decisiones pasadas sino que le sigue pesando la muerte de su hijo Hamnet.

Y seguimos buscando esas huellas shakesperianas por el blog y aparece el bardo en los sitios más inesperados. Por ejemplo, en un texto donde confesaba por qué me parecía interesante analizar toda la trayectoria de Mel Gibson. Resulta que en un momento de su vida puso en marcha una productora con la que quería sacar proyectos más personales. Así que lo primero que puso en marcha fue Hamlet (1990) y se reservó el papel del príncipe danés.

Su Hamlet nada tiene que ver el de Chloé Zhao, el de Laurence Olivier o el de Brannagh. Franco Zeffirelli dirige un desatado melodrama familiar donde muere hasta el apuntador. Como decía en dicho texto, «el Hamlet de Gibson se aleja de otros príncipes daneses, que hacen hincapié en un personaje sensible, reflexivo, intelectual y delicado. El suyo es un hombre del medievo, sensual, carnal, diestro con las armas, lleno de dudas y contradicciones, y al borde de la locura y del abismo».

Pero es que las historias de Shakespeare han permitido propuestas muy valientes y originales en el cine. Es tan potente lo que cuenta y cómo lo cuenta, sus personajes y motivaciones son tan universales y están tan bien construidos que no es difícil trasladarlos a cualquier época, momento o país o que formen parte o estén detrás de otra historia en un principio diferente o que poco tiene que ver.

Por ejemplo, alrededor de Otelo, hay películas significativas e innovadoras. Volvemos a George Cukor y a una película que vi siendo niña y me impresionó tremendamente, porque contaba la historia de un famoso actor de teatro que prepara un montaje sobre Otelo. El actor se entrega tanto al personaje, que pierde su identidad, y se transforma en un hombre celoso y violento. Me refiero a Doble vida (1947). El actor se deja comer por el personaje y esa idea siempre me ha seducido.

Durante la pandemia uno de los grandes descubrimientos cinéfilos que realicé fue la filmografía del director británico Basil Dearden. Una de sus películas, Noche de pesadilla (1962), recrea una velada donde se reúnen varios músicos de jazz, pero de fondo se construye una adaptación libre de la tragedia de Otelo.

No faltó en la serie de artículos que realicé homenajeando a Orson Welles por su centenario, un extenso texto sobre ese Otelo (1952) con rodaje complicado y largo que supuso la primera película de este artista fuera de EEUU. A raíz de este texto, un buen amigo me recomendó un libro que desconocía y que aún no he conseguido, aunque por suerte está editado en castellano. Así que aprovecho para ponérmelo de recordatorio y volver a retomar el conseguirlo. Son las memorias del actor que hace de Yago, Micheál MacLiammóir. El libro en cuestión se titula Preparad la bolsa (Ediciones El Imán, 1997) y es el diario del rodaje de la película.

Welles pasó de ser niño mimado de Hollywood a un rebelde y príncipe destronado que tenía que apañárselas como fuese para terminar sus películas. Porque Welles fue ante todo un enamorado del dramaturgo, así siendo un joven prodigio de los escenarios hizo varios montajes shakesperianos que fueron hitos con su compañía Mercury Theatre. Y también el bardo fue inspiración para levantar películas como Macbeth (1948) y la vital Campanadas a medianoche (1965). En esta última, en compañía del orondo Falstaff, unía varias obras de Shakespeare (Enrique V, Enrique IV, Las alegres comadres de Windsor y Ricardo II) para recrear el universo del bardo en una tragicomedia llena de vida.

Es inevitable con esta última película de Welles no recordar otro largometraje que me marcó profundamente cuando se estrenó en España: Mi Idaho privado (1991) que hizo que me convirtiera en fiel devota de Gus Van Sant. La vida de dos chaperos de Portland bucea en el universo shakesperiano de Welles y sus campanadas de medianoche.

Shakespeare ha sido voz que inspira porque es creador de argumentos universales, así se demuestra en joyas como el clásico mexicano Enamorada (1946) de Emilio Fernández, un romance entre un revolucionario y una rica de un pueblo que tiene de fondo el espíritu de La fierecilla domada. O también el director Akira Kurosawa cayó bajo el poder del bardo y construía intensas historias del Japón medieval como Ran (1985) que se inspiraba en El rey Lear. No fue la última vez que Kurosawa acudió a Shakespeare. Es otro de los grandes directores que deben mucho a la huella del bardo.

Muchas de sus grandes tragedias cuentan con maravillosas adaptaciones cinematográficas u otras más discretas, pero siempre aportando algo. Si volvemos a Welles, una de sus películas fue Macbeth (1948), historia que nunca ha dejado de pisar la pantalla. Hay un largo listado, por ejemplo, Roman Polanski sintió la llamada shakesperiana con esta obra que le permitía sus ambientes de opresión, violencia, poder y locura. O no hace mucho Justin Kurzel dejó un Macbeth con un matiz interesante: el protagonista del drama shakesperiano actúa continuamente bajo un estrés postraumático.

Otra de sus grandes tragedias visitada de distintas maneras en el cine es Julio Cesar. Soy fan incondicional de la versión de Joseph L. Mankiewicz, pero me emocionó profundamente la propuesta de los hermanos Taviani que mezclando documental y ficción mostraban un taller teatral en la cárcel de Rebibbia donde los presos ponían en pie un montaje de Julio César.

Si seguimos con la senda de Hamnet, el cine ha jugado incluso con una de las teorías literarias que permite dejar volar la imaginación: William Shakespeare, como dramaturgo, no existió. Es decir, hubo un hombre en Stratford con ese nombre del que apenas se sabe y no es seguro si ese hombre corresponde con ese genio literario tan prolífico que escribió tantísimas buenas obras. Se ha especulado con la idea de que Shakespeare fue una especie de pseudónimo que empleaban distintos autores que ocultaban su identidad. A eso juega una a mi gusto fallida película de Roland Emmerich titulada Anonymous, que tendría que volver a ver, pues en su momento no entré en ella.

Quizá ya va tocando dar fin a este largo viaje de amor y fascinación por William Shakespeare y todo el universo creativo que genera en el cine y que este blog siempre quiere destacar, porque hasta Woody Allen en una de sus películas más olvidadas, Conocerás al hombre de tus sueños, se inspiraba para contar la trama en una incompleta cita shakesperiana que me hizo en su día buscar la que escribió el bardo en precisamente Macbeth. Esta decía algo así como «La vida no es más que una sombra en marcha; un mal actor que se pavonea y se agita una hora en el escenario y después no vuelve a saberse de él: es un cuento contado por un idiota, lleno de ruido y de furia, que no significa nada».

Y quizá sean así de insignificantes nuestras vidas, un suspiro, un halo, una hora en el escenario para que jamás se vuelva a saber de nosotros, pero también somos argumentos para que mentes creadoras fijen unas horas y las conviertan en obras catárticas. Ese era el gran secreto de William Shakespeare, ese guionista invisible que hace que sus historias funcionen una y otra vez, que hace que sus personajes cobran vida, que sus alegrías y miserias se hagan dueños del escenario que es el mundo.

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