![\"\"](\"https:\/\/i0.wp.com\/hildyjohnson.es\/wp-content\/uploads\/2020\/05\/laluzdemivida.jpg?ssl=1\")
<\/a>Diario cin\u00e9filo de Hildy Johnson. La luz de mi vida<\/em><\/p><\/div>\n En tiempos de pandemia, no han faltado pel\u00edculas con dicha tem\u00e1tica, y que, premonitorias, se estrenaron muy recientemente. Por una parte, una de animaci\u00f3n stop motion<\/i> de Wes Anderson: Isla de perros<\/i> (Isle of dogs, 2018). Un cuento sensible con ese universo caracter\u00edstico de su director, que crea un peculiar mundo dist\u00f3pico, sobre un ni\u00f1o que busca a su perro en un gigantesco vertedero donde han sido confinados los mejores amigos del hombre por una pandemia. Anderson cuenta sus historias con notas de humor, pero con una melancol\u00eda latente y con la reflexi\u00f3n de una sociedad oscura donde hay pocas posibilidades de luces, pero donde alguno de sus personajes lucha por no perder su identidad y no sucumbir en un pozo negro sin salida. Y me ha sorprendido tambi\u00e9n muy gratamente la \u00faltima pel\u00edcula que dirigi\u00f3 Casey Affleck, La luz de mi vida<\/i> (Light of my life, 2019). El actor (que escribe, dirige y protagoniza la pel\u00edcula) refleja el universo \u00edntimo que construyen un padre y una hija en un mundo hostil arrasado por una pandemia que afecta a las mujeres. As\u00ed lo que le interesa a Affleck es mostrar esa relaci\u00f3n que se va armando a trav\u00e9s de las sesiones nocturnas de cuentos e historias bajo la luz de una linterna. Cuentos que se transforman en un manual de supervivencia para los dos en un mundo de incertidumbres y peligros constantes.<\/p>\n <\/p>\n Si sigo la estela de los fuertes lazos que se establecen entre padres e hijos, es interesante la forma que tiene Damien Chazelle de contar la aventura espacial de Neil Armstrong en El primer hombre<\/i> (First man, 1918). No solo cuenta la historia bajo la mirada de Armstrong, sino bajo la mirada de un hombre melanc\u00f3lico, aislado e introspectivo que no puede enfrentarse al dolor de la p\u00e9rdida de su peque\u00f1a. Y este decide apartarse de la vida en la tierra y apostar por alcanzar la luna. No narra la aventura espacial como un episodio \u00e9pico de la humanidad, sino que deja ver las fragilidades y oscuridades del empe\u00f1o. Y tambi\u00e9n c\u00f3mo los hombres que lograron la haza\u00f1a ten\u00edan una historia personal a sus espaldas, una familia, muchas sombras, ausencias y heridas. Esa aventura espacial supuso un desgaste de a\u00f1os, de oscuridades, de sacrificios y penalidades.<\/p>\n Diario cin\u00e9filo de Hildy Johnson. El bailar\u00edn<\/em><\/p><\/div>\n Y si continuo el camino tras los actores que deciden ponerse tras las c\u00e1maras surgen dos pel\u00edculas interesantes que he visto estos d\u00edas. Por una parte, el tercer trabajo en la direcci\u00f3n de Ralph Fiennes, El bailar\u00edn<\/i> (The white crow, 2018), y, por otro, la vuelta a Shakespeare de Kenneth Branagh con El \u00faltimo acto <\/i>(All is true, 2018). De sus tres pel\u00edculas, el biopic de Ralph Fiennes sobre Rudolf Nureyev me parece la m\u00e1s irregular. Pero, sin embargo, sigue construyendo una carrera coherente como director. As\u00ed contin\u00faa centr\u00e1ndose en hombres que se enfrentan a situaciones adversas y que tienen que elegir y decidir sus caminos. Hombres con personalidades fuertes y creativas, que ponen sus pasiones a la cabeza, y lo sacrifican todo por ellas. T\u00e9cnicamente, tiene momentos bellos, con esa fusi\u00f3n siempre llamativa de cine y danza, pero falla en la tensi\u00f3n narrativa como thriller<\/i> pol\u00edtico (por ejemplo, no alcanza la perfecci\u00f3n en ese sentido de Noches de sol<\/i> de Taylor Hackford) y en la construcci\u00f3n de sus personajes. En este \u00faltimo punto, es dif\u00edcil empatizar con el propio Nureyev, hay personajes secundarios excesivamente desdibujados como el de Clara Saint o se desperdician personajes interesantes como el interpretado por Fiennes, Aleksandr Ivanovich Pushkin, el maestro de danza de Nureyev. Y Kenneth Branagh vuelve a disfrutar del universo shakesperiano, y esta vez se convierte en el propio dramaturgo (pues tambi\u00e9n es el protagonista de la pel\u00edcula) y filma sus \u00faltimos a\u00f1os. As\u00ed deja una pel\u00edcula acertada y curiosa, que pone de manifiesto sus conocimientos sobre el bardo. La vida de Shakespeare, envuelta en enigmas, permite el juego. Y Branagh le otorga sus posibles \u00faltimos a\u00f1os, como si de una de sus obras de enredos y dramas familiares se tratara, logrando que no solo se empatice con el personaje, sino comprender parte de su universo. Un Shakespeare entregado a las labores de jardiner\u00eda en su ciudad natal, Stratford, que trata de poner orden en su ca\u00f3tica vida familiar junto a su mujer y sus dos hijas, mientras arrastra todas sus decisiones pasadas y la muerte de su hijo Hamnet. Hay un di\u00e1logo que no tiene desperdicio entre Henry Wriothesley (Ian McKellen) y Shakespeare, que adem\u00e1s dibuja la historia de un artista bisexual, enamorado durante un periodo de su vida de un hombre concreto.<\/p>\n Diario cin\u00e9filo de Hildy Johnson. La chaqueta de piel de ciervo<\/em><\/p><\/div>\n Es interesante la mirada de algunos cineastas hacia hombres perdidos en su masculinidad. En unos tiempos que ponen en cuesti\u00f3n dicha identidad porque arrastra culturamente muchos rasgos y comportamientos err\u00f3neos, y en este periodo hist\u00f3rico donde la mujer busca su sitio y lo lucha, muchos hombres se sienten y est\u00e1n fuera de lugar. As\u00ed una pel\u00edcula de humor negro de Quentin Dupieux, La chaqueta de piel de ciervo<\/i> (Le daim, 2019), presenta un peculiar personaje, con rostro de Jean Dujardin, \u201cpose\u00eddo\u201d por una chaqueta de piel con flecos. Solo sabemos de \u00e9l que ha tenido una ruptura sentimental, que ha dejado atr\u00e1s su vida, que se retira a un peque\u00f1o pueblo y que se ha comprado la chaqueta. Su transformaci\u00f3n, cada vez m\u00e1s perturbadora, deriva en un ser rid\u00edculo, pat\u00e9tico y monstruoso (obsesionado por ser el \u00fanico que lleva una chaqueta) que contrasta con la oscuridad de otro personaje femenino, una camarera, que se cruza en su camino. M\u00e1s fallida, pero tremendamente curiosa y con la poderosa presencia de Ethan Hawke, es El captor<\/i> (Stockholm, 2018) de Robert Budreau. En clave de comedia bufa y extra\u00f1a, relata un hecho real de los a\u00f1os setenta: un delincuente entr\u00f3 a un banco sueco y retuvo a cuatro rehenes (tres en la pel\u00edcula, dos mujeres y un hombre). Sus condiciones eran que liberasen a un compa\u00f1ero suyo que estaba en prisi\u00f3n y que pudiesen huir los dos. El comportamiento de los rehenes respecto a sus captores, que hicieron todo lo posible por protegerlos, generar\u00eda el t\u00e9rmino psicol\u00f3gico de \u201cs\u00edndrome de Estocolmo\u201d. La pel\u00edcula es una especie de Tarde de perros, <\/i>pero m\u00e1s fr\u00eda y distante que aquella. Esto no impide a un Hawke pat\u00e9tico, divertido y entregado.<\/p>\n Diario cin\u00e9filo de Hildy Johnson. Las invisibles<\/em><\/p><\/div>\n Una mirada a la historia y al mundo contempor\u00e1neo me ha acercado a tres pel\u00edculas muy diferentes, pero con lecturas interesantes. Por una parte, la francesa Las invisibles<\/i> (Les Invisibles, 2018) de Louis-Julien Petit, una comedia social sobre un centro de d\u00eda de mujeres sin hogar al borde del cierre. Tanto las trabajadoras y las voluntarias como las sin hogar se reinventan y se unen para continuar, buscar salidas a su situaci\u00f3n y tener siempre la cabeza bien alta. Es de esas pel\u00edculas que no son redondas, pero tienen alma, verdad y buenos personajes. Tambi\u00e9n pude ver, por fin, la \u00faltima pel\u00edcula de Spike Lee, Infiltrado en el KKKlan<\/i> (BlacKkKlansman, 2018), que tambi\u00e9n en clave de comedia oscura ficciona un hecho real de los a\u00f1os setenta (como El captor<\/i>): Ron Stallworth fue el primer agente negro del departamento de polic\u00eda de Colorado Springs, y una de sus primeras misiones fue como infiltrado en el Ku Klux Klan. Es una propuesta hilarante, y con ella Spike Lee logra una pel\u00edcula divertida sobre temas muy serios. Pone de nuevo en la palestra el racismo fuertemente presente en la sociedad y la lucha constante, silenciosa y con resultados m\u00ednimos de muchos ciudadanos que quieren un mundo m\u00e1s justo. Y, por \u00faltimo, dentro de un interesante ciclo de pel\u00edculas espa\u00f1olas que analizan desde distintos puntos de vista la crisis econ\u00f3mica y social en la que est\u00e1 inmersa nuestro pa\u00eds desde 2008 no puede faltar El rey tuerto<\/i> (2016), donde el director de teatro y cine Marc Crehuet lleva a la pantalla su propia obra teatral, despu\u00e9s de haber pisado los escenarios. El encuentro de dos amigas de la infancia con sus respectivas parejas tiene consecuencias inimaginables. Una comedia negra, donde se sientan en la misma mesa un polic\u00eda antidisturbios y un director de documentales sociales que perdi\u00f3 un ojo por una pelota de goma en una manifestaci\u00f3n. El factor sorpresa son las relaciones y las din\u00e1micas que se van estableciendo y la reacci\u00f3n de cada uno de los personajes despu\u00e9s de este encuentro. Una pel\u00edcula con ritmo, divertida y sorprendente que adem\u00e1s ofrece un trabajo brillante de su cuarteto protagonista, especialmente de Alain Hern\u00e1ndez.<\/p>\n Diario cin\u00e9filo de Hildy Johnson. Burning<\/em><\/p><\/div>\n Tambi\u00e9n he visitado el cine oriental. Me he ido a Corea del Sur para hundirme en una pel\u00edcula hipn\u00f3tica, Burning<\/i> (Buh-ning, 2018) de Lee Chang-Dong. Ya me hab\u00eda dejado seducir por su director en Poes\u00eda<\/i>. Lee Chang-Dong parte de dos referencias literarias: Haruki Murakami y William Faulkner, y crea una historia que transita entre la imaginaci\u00f3n y la realidad. Una atm\u00f3sfera sugerente, como de ensue\u00f1o, o sumergida en una nube de marihuana envuelve lo que en un principio parece un tri\u00e1ngulo amoroso para ir transform\u00e1ndose poco a poco en un siniestro relato de cine negro y venganza. Lee Chang-Dong se sirve de tres atractivos personajes, de una banda sonora dif\u00edcil de olvidar y de unas im\u00e1genes fuertemente po\u00e9ticas. Por otra parte, el veterano director japon\u00e9s Y\u00f4ji Yamada presenta un melodrama en La casa del tejado rojo<\/i> (Chiisai Ouchi, 2014), amores en tiempos hist\u00f3ricos turbulentos. Yamada construye su relato cinematogr\u00e1fico alrededor de las memorias escritas de una mujer que acaba de fallecer, Taki Nunomiya. Las memorias se las deja a su sobrino, quien empieza a leerlas. Entre esas p\u00e1ginas surge la vida de Taki, centr\u00e1ndose en un periodo concreto: cuando entr\u00f3 al servicio de una familia acomodada en Tokio antes de la guerra. Secretos, recuerdos, culpas, traiciones y amor entre las cuatro paredes de la casa del tejado rojo, sobre todo cuando aparece un joven dise\u00f1ador, que trabaja en la empresa de juguetes del marido. Sin embargo, La casa del tejado rojo <\/i>a pesar de tener secuencias muy bellas y rodadas con una delicadeza especial, no vuela. Y esto ocurre por dos motivos: los personajes no est\u00e1n bien construidos y las relaciones entre ellos tampoco est\u00e1n bien desarrolladas, de tal manera que nunca llega la ansiada catarsis emocional, aunque sea sutil y contenida, de todo buen melodrama.<\/p>\n Diario cin\u00e9filo de Hildy Johnson. Redenci\u00f3n<\/em><\/p><\/div>\n Por \u00faltimo, una confesi\u00f3n de Hildy Johnson. Reconozco haber visto alguna pel\u00edcula solo para alegrarme el ojo con dos actores en concreto. Los dos elegidos han sido: Jake Gyllenhaal y Bradley Cooper. Curiosamente los dos presentes en dos pel\u00edculas sobre el \u00e9xito, el fracaso, la segunda oportunidad y la redenci\u00f3n. Ninguna de las dos redondas, pero donde ambos se lucen en sus papeles protag\u00f3nicos, adem\u00e1s de estar bell\u00edsimos. Jake Gyllenhaal protagoniza Redenci\u00f3n<\/i> (Southpaw, 2015) de Antoine Fuqua, donde es un boxeador que cae en desgracia. El protagonista se est\u00e1 metiendo en una vida loca tras el \u00e9xito continuo, y arrastra a su mujer y a su hija, pero un desgraciado incidente supondr\u00e1 adem\u00e1s su ca\u00edda a los infiernos. As\u00ed Fuqua no arriesga en un argumento mil veces visto en este tipo de historias de boxeo, pero s\u00ed narra con tensi\u00f3n y ritmo, adem\u00e1s de dar rienda suelta a las emociones. Y Bradley Cooper se convierte en un chef que ha ca\u00eddo en desgracia por una vida err\u00e1tica, de dependencias emocionales y de sustancias, en Una buena receta <\/i>(Burnt, 2015) de John Wells. Una pel\u00edcula de personajes que falla en su estructura y construcci\u00f3n. Podr\u00eda haber sido una interesante historia de redenci\u00f3n, pero Wells no encuentra la forma de contarla. Bradley Cooper, sin embargo, consigue con su carisma y con su reciente especializaci\u00f3n en personajes ca\u00eddos en desgracia mantener el inter\u00e9s de la pel\u00edcula.<\/p>\n Esta obra est\u00e1 bajo una\u00a0licencia de Creative Commons<\/a>.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" Dos meses de cuarentena son muchas horas para ponerse al d\u00eda con pel\u00edculas recientes. No solo de cl\u00e1sicos se alimenta Hildy Johnson. Tambi\u00e9n, durante estas extra\u00f1as jornadas, han tenido un especial protagonismo los documentales sobre cine que han alimentado mis … Sigue leyendo <\/a><\/a><\/a><\/a><\/a>